IMC OnAir präsentiert StudioTalk Nr. 5: Trilok Gurtu – Die Reinheit der Musik.

 Die Förderinitiative IMC – India meets Classic sendet seit 26. März 2006 sein monatliches Radioprogramm zur indischen Musikkultur. Mit dem special “StudioTalk” bietet IMC – India meets Classic indischen Musikmeistern, Musikwissenschaftlern und Kulturschaffenden die Gelegenheit, sich dem Hörer zu einem ausgewählten Thema zu präsentieren.

Der StudioTalk Nr. 5 steht unter der Überschrift “Die Reinheit der Musik“ (Untertitle: Die Wahrheit zur Spiritualität in der indisch klassischen Musik).

Nach IMC OnAir’s 28-minütigen TV spezial (TideTV, Hamburg) mit dem JazzRock-Gitarristen John McLaughlin, Gründer von The Mahavishnu Orchestra und Shakti (mit dem Tablavirtuosen Zakir Hussain u. L. Shankar auf der Geige) war der “world class” Perkussionist Trilok Gurtu aus Mumbai zu Gast bei IMC – India meets Classic.

Sendetermine…

30. August 2012 – 21:00 Uhr MESTZ (03:00 pm EST) @ radio multicult.fm (DE, Berlin)
(Premiere: 05. Mai 2009 – 22:00 Uhr @ Tide Radio)
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Der Gründer von IMC – India meets Classic, Lothar J.R. Maier konnte diesen Ausnahmemusiker wenige Tage nach seinem Konzert im Rahmen der India Week Hamburg im Hamburger Studio begrüssen (s. Bildstrecke).

Trilok Gurtu gibt uns in dem StudioTalk Einblicke in die Grundlagen der indischen Rhythmik und vermittelt uns sein Verständnis zur musikalischen Erziehung, zur Klangbildung seiner Hybrid-Instrumente und den in seinen Kompositionen wiederspiegelnden, völkerverbindenden Dialog zwischen Afrika, Indien und der Musik der westlichen Welt (Jazz, Fusion, Klassik).

Kurzbiographie…

3.12.2008: Trilok Gurtu @ IMC OnAir (photo: Richard Stöhr)

Trilok Gurtu wurde am 30. Oktober 1951 in Mumbai, dem ehemaligen Bombay geboren. Hier besuchte er die katholische Schule, die Don Bosco High School. Trilok entstammt einer Musikerfamilie. Sein Vater war Sitarspieler, von seiner Mutter Shoba Gurtu erhielt Trilok die Grundlagen im Tablaspiel vermittelt.

Der indische Tablamaestro ist als Perkussionist seit den 70er Jahren in den unterschiedlichsten Musikstilen unterwegs… Zu den frühesten Aufnahmen Trilok’s zählt Apo-Calypso, im Jahre 1977 mit der deutschen Ethnic-Fusion-Band Embryo. Im Jahre 1987 veröffentlichte Trilok seine erste Solo-CD Usfret. Den Gesang steuerte Trilok’s Mutter, Shoba Gurtu bei.
Shoba Gurtu (1925-2004) ist in Indien bis heute als Thumri-Queen bekannt. Die herausragende Sängerin der leichten indischen Klassik stand in der Tradition der Jaipur-Atrauli Gharana und des Gesangsvirtuosen und Tablaspielers Ustad Abdul Karim Khan (1872-1937), Vertreter der Kirana Gharana, eine der indischen Musikschulen.

In den 80er Jahren war Trilok Gurtu mit dem englischen JazzRock-Gitarristen John McLaughlin auf Welttournee. Er spielte mit herausragenden Musikern des Jazz, wie den Saxophonisten Jan Garbarek oder Charlie Mariano, dem Afro-Amerikanischen Trompeter Don Cherry oder dem Klangvirtuosen auf den Keyboards, Joe Zawinul (Weather Report).
Um den Bassisten Bill Laswell und Tablavirtuosen Zakir Hussain formierte sich im Jahre 1999 Tabla Beat Science, eine Symbiose aus nordindischer Klassik, Asian Underground, Drum & Bass und elektronischer Musik. Trilok Gurtu spielte hier neben Karsh Kale und Talvin Sing mit Veröffentlichungen von drei Alben bis ins Jahr 2003.

Trilok Gurtu & Band @ India Week Hamburg (Völkerkundemuseum)

IMC OnAir presents StudioTalk No. 5: Trilok Gurtu – The Purity of the Music.

The promotion initiative IMC – India meets Classic broadcasts since 26th March 2006 a monthly radio show for Indian (music) culture.

For 30th August 2012 is planned @ radio multicult.fm (and worldwide as webradio) the special format “StudioTalk” which offers opportunities to Indian music masters, music scientists and culture activists with uniquely topics.  StudioTalk No. 5 resents the headline “The Purity of the Music“ (sub title: The truth about spirituality in Indian classical music).

Following IMC OnAir’s 28 minute TV spezial (TideTV, Hamburg)with the Rock Jazz guitarist John McLaughlin, founder of The Mahavishnu Orchestra and Shakti (with the Tabla virtuoso Zakir Hussain and L. Shankar on the violin). Here some photos about when the “world class” percussionist Trilok Gurtu from Mumbai was special guest in our Hamburg studio.

The founder of IMC – India meets Classic, ElJay Arem welcomed this exceptional musician few days after his concert during the India Week Hamburg.

dates of broadcasting…

 30th August 2012 – 03:00 pm EST (09:00 p.m. CET) @ radio multicult.fm (DE, Berlin)
(premiere: 5th May 2009 – 10:00 pm CET @ Tide Radio)
broadcasting plan | streaming (Internet Radio & Mobile Radio) | podCast

Trilok Gurtu gives us a view onto a professional understanding to the musical education with the scope of the basis of Indian Rhythmics, the sound formation of his hybrid instruments and, the people-connecting dialogue between Africa, India and the music to the western world (jazz, fusion, classical period) reflected in his compositions.

Short biography…

3rd Dec 2008: Trilok Gurtu @ IMC OnAir (photo: Richard Stöhr)

Trilok Gurtu was born on 30 October 1951 in Mumbai, the former Bombay. Here he visited the catholic school, the Don Bosco High School. Trilok Gurtu comes out of a musician’s family. His father was Sitar player, his mother Shoba Gurtu teached Trilok the basics in the Tabla play.

The Indian Tabla maestro is as percussionist his carreer began in the 70th in very different music styles on the way… One of the earliest recordings was Trilok’s Apo-Calypso, in the year 1977 with the German Ethnic fusion band Embryo. In the year 1987 Trilok published his first solo CD Usfret. Trilok’s mother, Shoba Gurtu contributed the singing.

Shoba Gurtu (1925-2004) is till today well-known in India as Thumri Queen, an outstanding vocalist of the Indian Light classical style and representative of the Kirana Gharana, one of India’s schools of music in the tradition of the Jaipur Atrauli Gharana and of the vocalist and Tabla player Ustad Abdul Karim Khan (1872-1937).

In the 80’s Trilok Gurtu was on world tour with the English jazz rock guitarist John McLaughlin. Trilok played with outstanding musicians in Jazz like the saxophon players Jan Garbarek and Charlie Mariano, the Afro American Trumpet player Don Cherry or the sound virtuoso on the keyboards Joe Zawinul (Weather Report).

The bassists Bill Laswell and Tabla maestro Zakir Hussain formed in the year 1999 Tabla Beat Science, a symbiosis from North Indian Classics, Asian Underground, Drum & Bass and electronic music. Trilok Gurtu played beside Karsh Kale and Talvin Singh for the recordings of three albums till 2003.

Trilok Gurtu & Band – India Week Hamburg (@ Hamburg museum of Ethnology (Völkerkundemuseum))

CH – Raga CDs des Monats (08/12): Ragas, Ghazals und Goethe…

Das Wort Ghazel stammt in seinem Ursprung aus dem Arabisch-Perischen, Gazal. Im Türkischen treffen wir auf diese Poesieform als Gazel.

Neben dem Parsi, dem Persischen, in der Sprache der Paschtunen, in Hindi und Urdu, das in Pakistan gesprochen wird, haben sich Ghazals in vielen weiteren Sprachen als Ausdrucks- und Versform der Poesie etablieren können. Weit über Indien, Pakistan und Afghanistan hinaus bis in den anglo-amerikanischen, hebräischen und deutschen Sprachraum hinein erfuhren und erfahren sie ein grosses Interesse; im Spanischen experimentierte Federico Garcia Lorca mit der Ghazal-Form.

Der traditionelle Ghazal hat in einem melancholischen Ausdruck die Liebe, das Leben und methaphysische Fragen zum literarischen Gegenstand. Seine Wurzeln reichen bis in die arabische Welt des 6ten, 7ten Jahrhunderts zurück.

In der Literatur wird mit Ghazel nicht selten eine Form der leichten Klassik innerhalb der indisch klassischen Musik definiert. Unsere Sendung wird zeigen, dass es sich mit dieser Strukturform der Poesie doch ein wenig anders verhält.

Sendetermine…

27. August 2012 – 22:00 Uhr MESTZ (04:00 pm EST) @ Radio RaSA (CH)
(Premiere: 15. Juni 2009 – 22:00 Uhr MESTZ @ Tide Radio)
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Ihre Ausdrucksstärke gewinnen die Ghazals durch eine „unpersönliche Note“, in die der Leser respektive Zuhörer ganz nach seiner individuellen Befindlichkeit hineininterpretieren kann. Ghazals leben in ihrem emotionalen Ausdruck von einer Codierung, einer symbolhaften, indirekten Ansprache, und von dem Gegensätzlichen, wie beispielsweise dem Trennungsschmerz einer unerfüllten Liebe, in göttlicher Form, auf einer metaphysischen, universellen, spirituellen Ebene…

Die Filmindustrie Indiens und Pakistan hat wesentlich zu der Popularisierung der Ghazals beigetragen. Ihre Vielfältigkeit in dem Ausdruck der Liebe und emotionaler Gemütszustände, wie Zweisamkeit, Verlangen, Trennungsschmerz, Teilnahmslosigkeit auch in Form von Politikmüdigkeit oder Reue, die vorrangige Bedeutung des Wortes und die sanfte Natur der Ghazals fanden in Mumbai, der Bollywood-Metropole und in Lollywood, dem Pandong der Filmindustrie Pakistans eine Vielzahl von Interpreten.

Herausragende Ghazal-Komponisten – Indien & Pakistan (Urdu ghazals)…

Hafiz o. Hafez (1315-1390)	Muhammad Jalaluddin Rumi (13th century)	Mirza Assadullah Khan Galib (1797-1869)

Daag Dehlvi (1831-1905)	Muhammad Iqbal (1877-1938)	Faiz Amed Faiz (1911-1984)	Mehdi Hassan (1927)

Johann Wolfang von Goethe…

J.W. v. Goethe

J. W. v. Goethe gilt als Begründer der „Weltliteratur“. Neben seinen Arbeiten für die Musik, Theologie und Wissenschaften zeigte er grosses Interesse für die persische und arabische Literatur.
Mit seinem nicht-fiktionalen in Aphorismen gefassten Schreibstil hatte Goethe mit Friedrich Schiller als führende Figuren des Weimarer Klassizismus massgeblichen Einfluss auf die deutsche Philosophie und weit über die europäischen Grenzen hinaus.

Goethe & Hafiz – „West-östlicher Divan“

Goethe schrieb das Sammelwerk “West-östlicher Diwan” als eines seiner späten Werke, zwischen Schillers Tod im Jahre 1805 bis zu seinem Ableben im März 1832.

Das Sammelwerk wurde wohl zwischen 1814 und 1819 geschrieben. Es ist im Jahre 1827 in einer erweiterten Auflage veröffentlicht worden. Der West-östliche Divan umfasst ganz im Sinne seiner ursprünglichen Wortbedeutung 12 Bücher (s. Gutenberg-Projekt).

Der „West-östliche Divan“ darf entsprechend seiner Zeit als ein Ausdruck eines interkulturellen Austausches, einer westlich-östlichen Annäherung zwischen Orient und Okzident verstanden werden. Im zweiten Buch, dem Buch Hafis (Hafis Namen) hatte Goethe konkret Bezug genommen auf den persischen Dichter und Ghazal Meister Hafiz.

Hafiz-Goethe-Denkmal (Weimar)

Goethe selbst wurde von Hafiz (o. Hafez) für sein Interesse an Persischer Literatur massgeblich beeinflusst. Noch heute erinnert das Hafez-Goethe-Denkmal in Weimar an diese Beziehung.

Goethe hat für den West-östlichen Diwan im Mittleren Osten und Südasien grosse Anerkennung gefunden. Als Antwort auf Goethes Diwan veröffentlichte der pakistanische Nationaldichter Muhammad Iqbal 1924 sein Werk „Payam-e-Mashriq“ (The Message of the East).

Auch Weggefährten Goethes befassten sich in ähnlicher Weise mit orientalischen, arabischen oder südasiatischen Themen und bedienten sich des Ghazal für ihre Dichtkunst. Der deutsche Dichter J. M. Friedrich Rückert (16.05.1788-31.01.1866) war Übersetzer und Professor für orientalische Sprachen und schrieb 1839 das Werk „Brahmanische Erzählungen“ (Brahmin Stories). Es umfasst 6 Bände, in denen Rückert extensiv den Ghazal als Poesieform verwendete.
Der Dichter August von Platen (Karl August Georg Maximilian Graf von Platen-Hallermünde – 24.10.1796-05.12.1835) veröffentlichte 1821 die “Ghaselen” und 1823 die „Neuen Ghaselen“.
Der Philosoph Georg Friedrich Daumer (5.3.1800 – 14.12.1875) glänzte mit seiner dichterischen Kunstfertigkeit in dem 1846 in Hamburg veröffentlichten Werk „Hafis“, eine freie Interpretation der Lieder berühmter persischer Dichter.

Faiz-Ghazal: Aaj bazaar main pa ba jolan chalo – CD “Faiz Ki Yaad Mein” (2004) | singer: Nayyara Noor (English translation by poet Anis Zuberi (Toronto, Canada))

aaj bazaar main pa bajolan chalo Chashm-e-nam, jaan-e-shoreeda kafi nahin Tohmat-e-ishq-posheeda kafi nahin aaj bazaar main pa-bajolan chalo Dast afshan chalo, mast-o-raqsan chalo Khak bar sar chalo, khoon badaman chalo Rah takta hai sub shehr-e-janaan chalo Hakim-e-shehr bhi, majma-e-aam bhi Teer-e-ilzam bhi, sang-e-dushnam bhi Subh-e-nashaad bhi, roz-e-naakaam bhi Unka dum-saaz apnay siwa kaun hai Shehr-e-janaan main ab baa-sifa kaun hai Dast-e-qatil kay shayan raha kaun hai Rakht-e-dil bandh lo, dil figaro chalo Phir hameen qatl ho aain yaro chalo

let us walk in bazaar in shackles wet eyes and restless soul is not enough being charged for nurturing concealed love is not enough let us walk in bazaar in shackles let us go with afshan in hand, in trance and dancing go with dust on head and blood on garb Go as the city of my beloved is waiting Citys ruler and crowd of commoners arrow of false charge, stone of accusation morning of sorrow, day of failure who is their friend except me who is untainted in the city of beloved who deserve the killers or executioners hand get ready for the journey of heart, go wounded heart let me go to be executed

CH – Raga CDs of the months (08/12): Raags, Ghazals and Goethe…

The word Ghazel originates from the Arabean-Persian word Gazal. Its roots back to the Arabian world of the 6th, 7th century. In Turkish we find this poetry form as Gazel.

Beside in Parsi, the Persian language of the Pashtunes, and in Hindi and Urdu, which is spoken in Pakistan, Ghazals have been established in many other languages as expression and verse form of poetry. Far beyond India, Pakistan and Afghanistan to Anglo-American, Hebrew and German linguistic area inside Ghazals experienced a large interest; in Spanish Federico Garcia Lorca experimented with the Ghazal form.

The traditional Ghazal form has love as a melancholy expression, life and metaphysical questions as literary objects.

In the literature Ghazel pretty often is defined as a form of Indian light classical style within the Indian classical music. IMC OnAir’s show will demonstrate that it behaves differently with this structural form of poetry.

dates of broadcasting…

27th August 2012 – 04:00 pm EST (10:00 p.m. MESTZ) @ Radio RaSA (CH)
(premiere: 15th June 2009 – 10:00 pm CET @ TIDE Radio)
InternetStream (Web & Mobile Radio) | PodCasting | broadcasting plan

The Ghazal wins it’s expressiveness by an „impersonal note“, into which the reader respectively listener can interprate the own individual mental state. Ghazals live in their emotional expression by a coding, a symbolic, indirect address and of opposed characters, as for example the separation pain of an unfulfilled love in divine form, on a metaphysical, universal, spiritual level…

The film industry of India and Pakistan contributed substantially to the popularization of the Ghazals. Their variety in the expression of love and emotional state like togetherness, desire, pain of separation, apathy and in the form of sullenness or regret, the priority meaning of the word and gentle nature of the Ghazals found a multiplicity of interpreters in Mumbai, the Bollywood metropolis and in Lollywood, the analogue of Pakistan’s film industry.

Outstanding Ghazal composers of India & Pakistan (Urdu ghazals)…

Hafiz or Hafez (1315-1390)	Muhammad Jalaluddin Rumi (13th century)	Mirza Assadullah Khan Galib (1797-1869)

Daag Dehlvi (1831-1905)	Muhammad Iqbal (1877-1938)	Faiz Amed Faiz (1911-1984)	Mehdi Hassan (1927)

Johann Wolfgang von Goethe

J.W. v. Goethe

J. W. v. Goethe is considered as a founder of the „world literature“. Beside his work for music, theology and sciences he showed large interest in the Persian and Arabian literature.

By a non-fictional writing style in aphorisms together with Friedrich Schiller as the prominent figures of the Weimar classicism Goethe had a relevant influence onto Germany’s philosophy and far beyond the European borders.

Goethe & Hafiz – „West-Eastern Divan“

Goethe wrote the compilation “West-Eastern Diwan” as one of his late works, between Schiller’s death in the year 1805 up to its dying in March 1832.

The compilation was probably written between 1814 and 1819. It was published in the year 1827 in an extended edition. The West-Eastern Divan covers completely in the sense of its original meaning 12 books (see Gutenberg project).

The „West-Eastern Divan“ may be understood according to its time as an expression of intercultural exchange, a Western-Eastern approach between the Orient (Asia) and Occident. In the second book, the book Hafis (Hafis name) Goethe had concretely taken reference to the Persian poet and Ghazal maestro Hafiz.

Hafiz Goethe monument (Weimar)

Goethe had been influenced by Hafiz (or Hafez) for his interest in Persian literature Goethe had been influenced by Hafiz (or Hafez) considerably. Till today the Hafez-Goethe monument in Weimar reminds of this relationship.

Goethe found large acknowledgment for the „West-Eastern Diwan“ in the Middle East and in South Asia. As the answer to Goethe’s Diwan the national poet of Pakistan Muhammad Iqbal published 1924 his work „Payam e Mashriq“ (The Message of the East).

Also companions of Goethe were concerned in similar way with eastern, Arabean or South Asian topics and availed the Ghazal for their poetic arts. The German poet J. M. Friedrich Rückert (05/16/1788-01/31/1866) was translator and professor for Eastern languages and wrote 1839 the „Brahmanische Erzählungen“ (Brahmin narrations). It covers 6 volumes, in which Rückert used extensively the Ghazal as poetry form.

The poet August von Platen (Karl August Georg Maximilian Count of Platen Hallermünde – 10/24/1796-12/05/1835) published 1821 “Die Ghaselen” and 1823 „Die Neuen Ghaselen“.

The philosopher Georg Friedrich Daumer (03/05/1800-12/14/1875) showed with „Hafis“ his exeptional poetic virtuosity published in 1846 in Hamburg, a free interpretation of the songs of famous Persian poets.

Faiz-Ghazal: Aaj bazaar main pa ba jolan chalo – CD “Faiz Ki Yaad Mein” (2004) | singer: Nayyara Noor (English translation by poet Anis Zuberi (Toronto, Canada))

aaj bazaar main pa bajolan chalo Chashm-e-nam, jaan-e-shoreeda kafi nahin Tohmat-e-ishq-posheeda kafi nahin aaj bazaar main pa-bajolan chalo Dast afshan chalo, mast-o-raqsan chalo Khak bar sar chalo, khoon badaman chalo Rah takta hai sub shehr-e-janaan chalo Hakim-e-shehr bhi, majma-e-aam bhi Teer-e-ilzam bhi, sang-e-dushnam bhi Subh-e-nashaad bhi, roz-e-naakaam bhi Unka dum-saaz apnay siwa kaun hai Shehr-e-janaan main ab baa-sifa kaun hai Dast-e-qatil kay shayan raha kaun hai Rakht-e-dil bandh lo, dil figaro chalo Phir hameen qatl ho aain yaro chalo

let us walk in bazaar in shackles wet eyes and restless soul is not enough being charged for nurturing concealed love is not enough let us walk in bazaar in shackles let us go with afshan in hand, in trance and dancing go with dust on head and blood on garb Go as the city of my beloved is waiting Citys ruler and crowd of commoners arrow of false charge, stone of accusation morning of sorrow, day of failure who is their friend except me who is untainted in the city of beloved who deserve the killers or executioners hand get ready for the journey of heart, go wounded heart let me go to be executed

A – Raga CDs des Monats (08/12): Kunnakudi Vaidyanathan – Die sprechende Violine! (Portrait)

IMC OnAir – IMCRadio.Net der Förderinitiative “IMC – India meets Classic” präsentiert im August 2012 auf Radio FRO (Oberösterreich) und weltweit als Webradio das Portrait: “Kunnakudi Vaidyanathan – Die sprechende Violine!“.

Kunnakudi Vaidyanathan (© Wikipedia)

Unsere IMC-Sendung ist Dr. Kunnakudi R. Vaidyanathan ( 2.3.1935 – 8.9.2008 ) gewidmet, einem Violinisten der südindischen Klassik. Kunnakudi’s Markenzeichen und ein Ausdruck seiner tiefen religiösen Verehrung, verwurzelt im Hinduismus, war von Weitem sichtbar. Die Stirn mit einem Vibhuti, mit geweihter Asche aus Kuhdung und mit einem grossen, roten Sindoor (Vermilion-Punkt) bemalt, das Symbol der Liebe und Stärke.

Kunnakudi R. Vaidyanathan war ein höchst innovativer, technisch brillanter und beim Publikum höchst beliebten Musiker. Ihm kommt ein wesentlicher Verdienst zu, dass sein Instrument, die Violine eine Neupositionierung als Soloinstrument gefunden hat.

Kunnakudi veränderte die Interpretation der karnatischen, südindischen Klassik und der leichten Unterhaltungsmusik. Den Kriti, eine musikalische Kompositionsform, vereinfachte er in seiner spielerischen Wiedergabe, um den musikalischen Wünschen des Publikums mehr Raum zu geben.

Sendetermine…

 26. August 2012 – 23:00 Uhr MESZ (05:00 pm EST) @ Radio FRO (A)
(Premiere: 19. Januar 2009 (22:00 Uhr) @ Tide Radio)
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Der Vater, Sri Ramaswamy Sastri entschied sich, KV zu einem herausragenden Violinisten auszubilden, als er neun (9) Jahre alt war. Bereits im Alter von zwölf (12) begleitete Kunnakudi einige der herausragenden Meister jener Zeit, unter Ihnen der grossartige Vokalist der südindischen Klassik: Maharajapuram Viswanatha Iyer (1896 – 1970).

Im Alter von 22 Jahren fand Kunnakudi erstmalig bei einem Filmstar des indischen Kinos Beachtung: M.K. Thyagaraja Bhagavatar. In einem Nebenraum seiner Garderobe eines Studios in Madras spielte Kunnakudi “Bhoomiyil maanida Janmam” spielte, ein Filmsong, durch den Bhagavatar berühmt wurde.

Kunnakudi entschied im Alter von 32 Jahren, nicht mehr als Begleitmusiker aufzutreten. Sein vordringlichster Wunsch war es, die Violine von einem Begleitinstrument in ein Solo-Instrument zu verwandeln. Kunnakudi wollte der Violine einen eigenen Status verschaffen. Zwischen 1974 und 1985 gaben Kunnakudi in Begleitung des Thavilspielers Chakravarti Valayapatti A.R. Subramaniam mehr als 3.000 Konzerte. In dieser einzigartigen Kombination mit dieser selten gespielten, südindischen Trommel und einem einfachen, melodiösen Violinspiel fand Kunnakudi ein grosses Publikum.

Aus einer bereits in seiner Kindheit ausgeprägten Liebe für Filmmusik leistete Kunnakudi einen erheblichen Beitrag zur Anerkennung der süd- und nordindischen Klassik im indischen Film und für die Entwicklung der frömmigen Musik in Tamil. Die gestalterische Fähigkeit, Ragaskalen mit Filmmelodien zu verknüpfen war neben der technischen Brillanz eines der Geheimnisse für seine grosse Beliebtheit.

Kunnakudi Vaidyanathan besaß ein tiefes Vertrauen in die therapeutische Wirkung der indisch klassischen Musik. Kunnakudi gründete 1996 das Raga Research Centre mit Sitz in Chennai, dem er als Präsident vorstand und das von der Landesregierung Tamil Nadus für verschiedenste Forschungen finanziell gefördert wurde.

Im Laufe seiner Karriere ist Kunnakudi für seine Leistungen mit mehr als 200 Titeln und Ehrungen bedacht worden. Im Jahre 2005 wurde er mit dem prestigeträchtigen “Padma Shri” der indischen Regierung ausgezeichnet, 1993 erhielt er den Sangeet Natak Adademi Award der “Sangeet Natak Akademi”, die nationale Akademie für Musik, Tanz und Drama mit Sitz in Delhi und Imphal.

A – Raga CDs of the Months (08/12): The Talking Violin! – Dr. Kunnakudi R. Vaidyanathan (portrait)

IMC OnAir – IMCRadio.Net of the promotion initiative “IMC – India meets Classic” presents it’s August show @ Radio FRO and worldwide as web radio with the portrait: “Kunnakudi Vaidyanathan – The Talking Violin!“.

Kunnakudi Vaidyanathan © Wikipedia

Our radio show is dedicated to Dr. Kunnakudi R. Vaidyanathan ( 3/2/1935 – 9/8/2008 ), a Violinist of South Indian Classics. Kunnakudi’s brand an expression of his deep religious admiration, rooted in the Hinduism, was visible from distance. The forehead painted with a Vibhuti, with dedicated ashes from cow dung and with a large red Sindoor (Vermilion point), the symbol of love and strength.

Kunnakudi R. Vaidyanathan was an innovatively, technically brilliant musician with high sympathies by the public and masses. Substantial earnings/services come to him he gave the violin a new positioning as solo instrument.

Kunnakudi changed the interpretation of Carnatic music (South Indian Classics) and Indian Light Classics. He simplified the kriti, a musical composition form in his playful rendition, in order to give the musical wishes of the public more space.

dates of broadcasting…

26th August 2012 – 05:00 p.m. EST (11:00 pm CET) @ Radio FRO (A)
(premiere: 19th January 2009 (10:00 pm CET) @ Radio Tide)
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The father, Sri Ramaswamy Sastri decided to train KV becoming an outstanding Violinis. KV was nine (9) years old. Already at the age of twelve (12) Kunnakudi accompanied some of the outstanding masters of that time, among the great vocalist of South Indian Classics: Maharajapuram Viswanatha Iyer (1896 – 1970).

At the age of 22 Kunnakudi received attention 1st time by a film star of the Indian cinema: M.K. Thyagaraja Bhagavatar. Close to the warderobe of a studio in Madras Kunnakudi played “Bhoomiyil maanida Janmam”, a film score by which Bhagavatar became famous.

Kunnakudi decided at the age of 32 not to arise anymore as accompanying musician. His most urgent desire was to transform the violin of an accompanying instrument into a solo instrument. Kunnakudi wanted to provide a unique status for the violin. Between 1974 and 1985 Kunnakudi accompanied by the Thavil player Chakravarti Valayapatti A.R. Subramaniam gave more than 3,000 concerts. This combination of instruments rarely played, a South Indian drum and Kunnakudi’s simple, melodic violin play got recognitation by a large public.

From his childhood on Kunnakudi had a deep love for film music. Kunnakudi already carried a substantial contribution for acknowledgment of South and North Indian Classics in the Indian film genre and developing the devotional Tamil music. The formative ability to link Raga scales with film melodies was apart from the technical brilliance one of the secrets for Kunnakudi’s large popularity.

Kunnakudi Vaidyanathan possessed a deep confidence into the therapeutic effect of the Indian classical music. Kunnakudi founded 1996 the Raga Research Centre in Chennai, which he managed as a president and which was financially promoted by the federal state government Tamil Nadu for most diverse researches.

In the course of his career Kunnakudi was considered for his achievements with more than 200 titles and honours. In the year 2005 he was distinguished with the prestigious “Padma Shri” of the Indian government, 1993 he received the Sangeet Natak Adademi Award of the “Sangeet Natak Akademi”, the national academy for music, dance and drama with seat in Delhi and Imphal.

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The Data Speaks: Pop Music Is Too Loud and It All Sounds The Same (The Echo Nest Corporation, 08/20/2012)

It’s common knowledge in musical circles that a “loudness war” is underway, wherein producers compress ever more volume into their productions to make them sound as loud as possible. You know how television commercials tend to sound louder than shows? Most music released today is compressed in much the same way as those advertisements, so it all sounds loud, with little dynamic range.

Many of us already suspected as much, but that’s just one of the interesting findings from a pop music study published in Nature that is garnering a lot of attention this summer: “Measuring the Evolution of Contemporary Western Popular Music.”

The study relied on data from the Million Song Dataset, “a freely-available collection of audio features and metadata for a million contemporary popular music tracks” provided by The Echo Nest. We released it in March 2011 to help commercial and academic researchers conduct important experiments without having to build their own datasets. It’s nice to see another use of these valuable data, which we made available to the world under an open-source license.

In addition to the finding that pop music has grown louder, the study unearthed two less-intuitive trends. Not only are the timbres of pop music instruments (i.e. their innate sonic characteristics) becoming standardized, but so their chord progressions are growing more similar too. In other words, the study claims, all pop music sort of sounds the same in three significant ways.

Some of this uniformity might be chalked up to professional studios being involved with so many hit artists. Or maybe it’s just the nature of cultural evolution that pop music wants to sound somewhat the same.

Whatever the cultural reasons behind these scientific findings, we’re excited to see another use of these data, released by The Echo Nest in collaboration with Columbia University’s LabROSA.

More on the Million Song Dataset:

• The Echo Nest and Columbia University Announce ‘Million Song Dataset’
• The Million Song Dataset: Giving Back to Music Research
• The Million Song Dataset Gets Lyrics, Too
• The Echo Nest Adds Real-World Music Preference Data to the Million Song Dataset
• The Million Song Dataset Now on Amazon
• Taste Profiles Get Added to the Million Song Dataset
• Million Song Dataset Challenge: May the Best Algorithm Win

(Source: 08/20/2012 – The Echo Nest Corporation | Blog)

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• All music sounds the same these days (news.techeye.net)
• The Sound of (Pop) Music: Too Loud, Too Much the Same (newsfeed.time.com)
• All Pop Music Too Loud, Sound the Same (neatorama.com)
• Pop music too loud and all sounds the same (factday.com)
• Scientists: Pop Is Too Loud & Boring (thequietus.com)
• Pop Music Too Loud And All Sounds The Same: Official (trailblazer1.wordpress.com)
• Study shows Pop music all sounds the same (slashgear.com)
• Turn down that racket, kids! Cranky scientists say all pop music is too loud and the same (news.nationalpost.com)

DE – Raga CDs of the Month (08/2012): ANGA – Location of a Raga (short version)

As every 3rd Monday @ 05:00 pm EST (11:00 pm CET) the promotion initiative IMC – India meets Classic presents another show for Indian classical music. The topic today: “ANGA – Location of a Raga” (short version).

In one of our previous programs, we dealt with the ornamentation of the ragas, ” Alankaras – 10 Types of Raga Ornaments “. The Alankara-s are the core for the development and beauty of a raga. While in modern classical music of the West is the ornament of the decorate the melody line, an Indian music maestro will improvise on the ornaments of a raga. It is a  steady flow of the music bending the swara-s (notes) together. This kind of glissando is known as Meend (Alankara type). The oldest written documents with description of 33-s Alankara are being dated back to 100-200 years BC, such as the Natya Shastra of sage Bharata. In the 17th century describes the Sangeet Parijat (written by Ahobal) 63 and 68 types of Alankaras. Until as recently (100-150 years back) it became Shabdalankar as the latest Alankara classification.

dates of broadcasting…

20th August 2012 – 05:00-05:58 pm EST (11:00-11:58 pm CET) @ TIDE Radio (DE)
(premiere: 15th July 2012 – 09:00-11:00 am EST @ radio multicult.fm)
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 Other classification criteria for the identification of raga-s are the so called Pakad-s. The term Pakad describes the identification of a Raga scale. Pakad should not be confused with the German concept of music leitmotif (guiding motif) or (melodic) phrasing.

Raag Deepak, in Ragamala by Sahibdin 1605 (source: wikipedia.org)

The Pakad-s describe patterns and salient features of each Raga form. This grammar is used in Indian classical music of North and South India not for the technical execution, it is much more an aesthetic description, like a Raga performance always has focus onto a singular emotional expression (rasa). You should refer to IMC’s former radio show “Nava Rasa-s – the 9 moods of the ragas” in our media archive: www.imcradio.net/onlinearchive .

The parameters of Pakad-s include the  term Anga. Functionally Anga is the “location of a raga”. In the translation Anga means: A portion of a whole. In Indian classical music with reference to the octave of main seven (7) notes the principal notes are divided into two segments = two Angas. There is the deeper segment of a lower tetrachord* (= poorvanga) … and an overlying tetrachord (= uttaranga) in the higher octave, each with three small musical intervals.
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*) In general a tetrachord is of four (4) notes. This term derives from the Greek. The meaning of the word tetrachord means just: four (4) strings … (Rec.: In relation to the ancient Greece harp-like instruments). The interstices of a tetrachord are formed by three intervals. In a Ragaskala these are for the deeper tetrachord from the first four main grades: Sa-Re, Re-Gha and Gha-Ma. In the Western notiation it matches: the first and 2nd pitch: C-D, the 2nd-3rd and 3rd-4th pitch: D-E and E-F. The overlying, second tetrachord begins on the 5th pitch: Pa-Dha, Dha-Ni and Ni-Sa’ accordingly: G-A, A-B, B-C’. 

DE – Raga CDs des Monats (08/2012): ANGA – Ortsbestimmung eines Ragas (Kurzversion)

Die Förderinitiative IMC – India meets Classic präsentiert Ihnen eine neue Sendung zur indisch-klassischen Musik. Das Thema heute auf Tide Radio und weltweit als Webradio: “ANGA – Ortsbestimmung eines Ragas“.

In einer unserer früheren Sendungen befassten wir uns mit der Ornamentik der Ragas: “Alankaras – die 10 Typen einer Ragaornamentik “. Die Alankara-s sind der Kern für die Entfaltung und Schönheit eines Ragas. Während in der modernen Klassik des Westens die Ornamentik der Ausschmückung der Melodielinie dient, improvisiert ein indischer Musikmaestro mit den Verzierungen eines Ragas. Dabei fliessen die Noten, die Swara-s ineinander, in einer ständigen Verknüpfung. Diese Art von Glissando ist als der Alankartyp Meend bekannt. Die ältesten Schriftdokumente mit Beschreibung von 33 Alankara-s werden auf 100-200 Jahre vor Christi Geburt zurückdatiert, wie dem Natya Shastra des Weisen Bharata. Im 17. Jahrhundert beschreibt das Sangeet Parijat von Ahobal 63 bzw. 68 Typen von Alankaras. Noch bis vor ca. 100-150 Jahre entstand Shabdalankar als die jüngste Klassifizierung.

Sendetermine…

20. August 2012 – 23:00-23:58 Uhr MESZ (05:00-05:58 pm EST) @ TIDE Radio (DE, Hamburg)
(premiere: 15. Juli 2012 – 15:00-17:00 Uhr MESZ @ radio multicult.fm)
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Weitere Klassifizierungskriterien für die Kennung der Ragas sind die s.g. Pakad-s. Der Begriff Pakad beschreibt die Kennung einer Ragaskala. Pakad sollte nicht mit dem deutschen Musikbegriff Leitmotiv (guiding motif) oder (melodische) Phrasierung verwechselt werden.

Raag Deepak, in Ragamala by Sahibdin 1605 (source: Wikipedia.org)

Die Pakad-s beschreiben Kennungsmuster und hervorstechenden Merkmale der einzelnen Ragaformen. Diese Grammatik dient in der indischen Klassik Nord- und Südindiens weniger der technischen Ausführung, viel mehr ist sie eine ästhetische Beschreibung, so wie eine Ragaperformance immer nur einem einzigen emotionalen Ausdruck dient. Dazu verweisen wir auf unserer Sendung “Nava Rasa-s – die 9 Stimmungsbilder der Ragas” in unserem Medienarchiv unter www.imcradio.net/onlinearchiv.

Zum Pakad zählt auch Anga. Funktional ist Anga die Ortsbestimmung eines Ragas. In der Übersetzung bedeutet Anga: Ein Teil eines Ganzen. In der indischen Klassik wird der uns bekannte Oktavraum mit sieben (7) Hauptnoten in zwei Segmente aufgeteilt, zwei Angas. Es sind ein tieferliegender, vom Grundton ausgehenden Tetrachord* ( = poorvanga)… und ein darüberliegender Tetrachord (= uttaranga) jeweils mit drei kleinen Tonintervallen.
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*) Ganz allgemein besteht ein Tetrachord aus vier (4) Noten. Dieser Begriff leitet sich aus dem Griechischen ab. In der Wortbedeutung heisst Tetrachord einfach vier (4) Saiten… und nimmt damit Bezug auf die im antiken Griechenland gespielten, harfenähnlichen Instrumente. Die Zwischenräume eines Tetrachords werden von drei Intervallen gebildet. In einer Ragaskala sind dies für den tieferliegenden Tetrachord aus den ersten vier Hauptnoten: Sa-Re, Re-Gha und Gha-Ma. In der westlichen Klassik entspricht er: C-D auf der 1. und 2. Stufe, D-E auf der 2. und 3. und E-F auf der 3. und 4. Stufe. Der darüberliegende, zweite TetraChord beginnt auf der 5. Stufe Pa, dem G. Die folgenden drei (3) kleinen Intervalle sind: Pa-Dha, Dha-Ni und Ni-Sa’, entsprechend: G-A, A-H und H-C, dem eingestrichenen C, um eine Oktave höherliegend als der Grundton.

DE – Raga CDs of the Months (08/12): Women in Indian Classics – Vocalists (serial no. 1)

The Indian Classical Music – epecially the North Indian Classics (Hindustani) – experienced a noticeable change. Before it had been a courtly art part of the activities of the courtesans (Tawaifs). Indian Classics developed in the 19^th and 20^th centuryto an appreciative art form, which is learned by young girls and women from respected families and practiced as occupation.

dates of broadcasting…

Serial No. 1: “Women in Indian Classics – Vocalists”
19th August 2012 – 09:00-11:00 a.m. EST (03:00-05:00 p.m. CET) @ radio multicult.fm
(premiere: 16th November 2009 – 10:00 pm CET (04:00 pm EST) @ Tide Radio)

Serial No. 2: “Women in Indian Classics – Instrumentalists”
23rd August 2012 – 02:00-04:00 p.m. EST (08:00-10:00 p.m. CET) @ radio multicult.fm

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The Hindustani music particularly stood in the early Indian Middle ages under Persian influence. A Patronage at the court of the Mughals in the 16^th century promised the courtly arts and artists prosperity. Many young girls were trained in performing arts, the Kathak dance and Indian Classical Music, literature with poetry forms like the Ghazals and Thumris.

The Thumri form is a genre of the light classical music, frequently sung at the spring fest and to the colors of Hori celebration. Originally the Thumri-s were expressing emotional expressions by gestures and facial expressions (mimics), so called Abhinaya. In the further development this presentation form disappeared and remained for Indian dance. The singers switched over to purely vocal improvisation forms without lyrics, the so-called Bol Banav-Ki Thumris.

On 29 August 2009 the documentary film „Rasoolan Bai – The other song“ (Das andere Lied) had its show case in the Bangalore Internationally Centre (Bangalore). Rasoolan Bay (1902-1974) from Varanasi formed together with Badi Moti Bay of Benares, Siddheswari Devi (1907-1976) and Begum Akthar (1914-1974) the quartet of the singing queens.

The rebel Gangubai Hangal (Gaanewali) had broken the gender-specific barriers in North Indian Classics. Gangubai is called „the father of the Khayals “, the modern vocal style of Hindustani music. When the singer Gangubai Hangal died in July 2009 at the age of 97 years after long illness critical voices had been heard which manifested that the era of the woman power in Indian classical music came to its end.

Rasoolan Bai	Begum Akthar	Badi Moti Bai	Siddheswari Devi	Gangubai Hangal

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In our Western understanding in India exist a transfigured woman picture of the eternally female divine: Already in the epical times no religious rituals were hold without participation of the women. With the Ashtanayikas, the eight heroins appear a woman picture till today we find in India.

In the South Indian Classics (Carnatic) the practice of the art was particularly reserved to the members of the Brahmins, a kind of priesthood. Women had it very difficult to attend the stage and appear with music in the public. In the beginnings of the phono industry women hardly found male companions for disc recordings.

Under the influence of the Hindu myths one can meet in Indian the opinion that the trinity of the goddesses, Durga, Lakshmi and Saraswati revealed themselfs to the humans as avatars in form of the singing virtuosos DK Pattammal (1919-2009), MS Subbalakshmi (1916-2004) and ML Vasanthakumari (1928 – 1990).

Their arrival terminated male dominance in South Indian classics. It began an era of the divine, creativity and innovation within the borders of traditional values.

They were artists, who completely got carried away in music, not because of success, fame or the money. These women were masters of multitasking, fulfilled various tasks in most different roles, as mothers, wives, sisters, teachers or grandmothers.

D.K. Pattammal	M.S. Subbalakshmi	M.L. Vasanthakumari

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While today many artists seem to live most different identities at the same time, Pattammal, Subbalakshmi and Vasanthakumari were led only by one identity.

Typical for Asia the presence and function of a selfless, divine love (Bhakti) was for these mistresses their driving power, in order to overcome steadily largest social discrimination up to their artistic acknowledgment.