Welcome to the Blog site of IMC OnAir – IMCRadio.Net, a broadcasting show on radio (cable/antenne + internet/mobile radio + podcast) as the single all years programme for Indian (Music) Culture in the whole German language area – with both German and international formats in English language.
During the phase of development and onging maintenance of this new blog, don’t hesitate to follow our webpages in traditional form:
IMC ONAir, two language website (English / German) …
- standard format “Raga CDs of the Months” (DE)
- special feature “From India to Europe … Festivalreport” (DE)
- special feature “StudioTalk” (DE/ENG)
Carnatic music, also known as karṇāṭaka sangītam is one of the two styles of Indian classical music, the other being Hindustani music. The present form of Carnatic music is based on historical developments that can be traced to the 15th – 16th centuries CE and thereafter. From the ancient Sanskrit works available, and the several epigraphical inscriptional evidences, the history of classical musical traditions can be traced back to about 2500 years. [read full text...]
Hindustani Classical Music is an Indian classical music tradition that took shape in Northern India in 13th and 14th centuries AD from existing religious, folk, and theatrical performance practices. The origins of Hindustani classical music, the classical music of India, can be found from the oldest of scriptures, part of the Hindu tradition, the Vedas. Samaveda, one of the four Vedas, describes music at length. The Indian classical music has its origin as a meditation tool to attain self realization. [read full text...]
The origins of Indian classical music can be found from the oldest of scriptures, part of the Hindu tradition, the Vedas. Samaveda, one of the four Vedas, describes music at length. Indian classical music has its origins as a meditation tool for attaining self realization. All different forms of these melodies (Ragas) are believed to affect various “chakras” (energy centers, or “moods”) in the path of the “Kundalini”. [read full text...]
broadcasting at prime time: each 1st Thuesday @ 09:00 p.m. (METZ)
(from 1st Jan 2008 on: repetition each 1st Thursday @ 03:00 a.m. (METZ))
since 1st August 2007: 24 h x 7 d as Internet-Radio – 1:1 real time worldwide
example of a raga form: Raga Jhinjoti - the beauty of this melodious raga lies in its simplicity. It utilizes all the notes and use “komal Ni“*.This is a supportive raga of the Thaat Khamaj*. Elaboration of this raga is normally restricted to the lower and middle octave. The play time is the second quarter of the night.
*) … Thaat consists of the seven notes (SA, Re, Ga, Ma, Pa, Dha, Ni) and is designated by the change of shuddha (naturally played), komal (softly played) and teevra (hard played).
Santosh Nahar (violin) – Tappa In Raga Kafi (Addha Taal) – CD The Golden Bow (2002, SenseWorld Music)
Enyet Khan (sitar) – Raga Bhupali – CD Prof. ENAYET KHAN – Centenary Tribute from Megaphone (2004, The Megaphone Company)
Raghunath Seth (flute) – Raag Shuddh Sarang (Gat In Rupak Taal) – CD Pandit Raghunath Seth (1997, Navras Records)
Meeta Pandit (vocal) – Raga Bilaskhani Todi – CD Tansen (14 original compositions of the legend) (2006, Music Today)
Pt. Jasraj (vocal) with Appa Jalgaonkar (Harmonium) – Raga Bageshwari – CD Night Ragas – Volume 2 (994, Music Today)
Ravi Shankar (Sitar) & London Symphony Orchestra (Conductor: Andre Previn) – Fourthmovement: Raga Manj Khamaj – CD Concerto For Sitar & Orchestra (original: 1998, 2005:Digital Remastering – EMI Classics)
Dr. L. Subramaniam (violin) – Ragam Vasantapriya - Three Ragas for solo violin (Sarasvatipriya, Vasantapriya, Sivapriya) (1990, Nimbus Records)
Indian Swara-s – Mother Nature – 18th May
Satish Vyas (Santoor) – Raga Jog (Alaap, Jod, Jhala) – CD Cascade (1996, Navras Records)
Ustad Asad Ali Khan (Rudra Veena) – Raga Gunakali (Alap, Jod, Jhala) – CD Inde Du Norde – North India Instrumental (1972/1991, Unesco: Series: Anthologie des musiques traditionelles)
Vikas Gupta (Sitar) – Raga Gaud Sarang – CD A Journey (2005, SenseWorldMusic (SWM))
Partho Sarothy (Sarode) – Raga Yaman – CD Tribute To Australia (2003, Hindusthan)
Tradition of Voice – Dr. Gangubai Hangal (biography) – 17th August
Live Recording (Indian Festival “Parampara – Indian Music on the way to the West”) – Berlin, Haus der Kulturen der Welt (13th/14th März 1992)
Raga Miyan-Ki-Malhar – CD “Classic Raaga Collection” (Venus Records & Tapes, 1994)
Raga Basanta – Live recording (Delhi) – CD “The Voice of Tradition – Vocal Music from North India” (Wergo/Spectrum, 1991 / 1999)
Raga Bageshree (Vilambit (Ektaal) + Drut (Teentaal)) – CD “Maestro’s Choice Series One – Gangubai Hangal” (Music Today / Living Media India Ltd., 1991)
Raga Marwa (Vilambit (Ektaal)) – CD “Classical Vocal. Ustad Amir Khan & Gangubai Hangal” (The Indian Record MFG. Co.Ltd., 1995)
Raga Jaijaivanti – CD Padma Vibhushan (Music Today, 2006 – original recording: 1991 / Living Media India)
Raga Bihag – CD “The Last Word in Hindustani Vocal (part II)” – Music Today (11/2009)
Jingle: WEST meets EAST – indian ragas on western instruments
(CDNF 150562 ADD Made in India . PKD. 12/2004)
1.
MISHRA KALENGRA:
JINAN PRAKASH GHOSH (Harmonium) & V.G. JOG (Violin)
2.
THUMRI in RAGA KHAMAJ in ADDHA TEEN TAAL
3.
Vishwa Mohan Bhatt (Slide Guitar)
4.
RAGA KALAVATI: Shankar Jaikishan
5.
RAGA MADHUVANTI: Charanjeet SINGH (Synthethizer)
P & C 2004 Owner, Manufacturer: SAREGAMA INDIA Ltd., 33, Jessore Road, Kolkata – 700 028. India
(Original sound recording: The Gramophone Company of India Ltd.)
“Voice of Tradition – Dr. Gangubai Hangal” (a biographic radio show)
Dr. Gangubai Gangubai is a representative of North Indian Classics. This exceptional vocalist was “on air” beside important female representatives of North and South India in IMC OnAir’s radio show “Women in Indian Classics” (part 1).
The 1st anniversary day on 21st July during the annual summer break of IMC OnAir gives us some reason we like to dedicate in August a whole radio show to this outstanding artist who was called “Father of the Khayal” (mainly because of Gangubai’s androgynous voice).
dates of broadcasting… 17th August 2010 – 09:00 p.m. (MESTZ) broadcasting plan | streaming (Internet Radio & Mobile Radio) | podCast
In the historical meaning we can see Gangubai as the most influential artist who helped women to the emancipation in Indian vocals. Beside four honorary doctorate Gangubai received in 1971 – at the age of 58 years – the Padma Bhushan, and lately in 2002 the Padma Vibhushan, the second highest civilian order of India. 2002 was also the year in which Gangubai was diagnosed of bone cancer she successfully overcame after three years treatment.
Gangubai was born 1913 in Karnataka, a South Indian Federal State. Gangubai originates from a simple family, whose earlier generations belonged to the Gangamats, the caste of agricultural boat people. In her early career Gangubai’s origin from this social milleu she was refused by the orthodox Brahmans. It wasn’t modern that a woman earns her living costs with arts. Although Gangubai’s father, Shri Nadgir and her husband, Shri Gururao Kaulgi likewise belonged to the caste of Brahmans in her family prevailed a consciousness that a woman is ‘Angavashtra’ (literally meaning: an additional article of clothing, which decorates subtle men as status symbol).
In 1928 the family of Gangubai moved 20 kilometres southeast, from Dharwad as the place of her birth to Hubli that time like today a commercial centre with approx. 1,5 million inhabitants. Hubli remained for Gangubai as the adopted home till her dying on 21st July 2009.
Sources (from left to right): with courtesy thank’s to indiasummary.com, Vikas Zutshi (Blogspot), Wikipedia.org, (1st row);
Eric Parker (Flickr), Hinduonnet.com, cbc.ca/daylife.com/Guardian.co.uk (2nd row)
Gangubai had at the age of 20 years in 1933 with a concert in Bombay (Mumbai) her artistic break-through. Relevant influence on the vocal qualities beside her musical talent had the strict training, which Gangubai received for 15 years from Pandit Rambhau Kundgolkar, in India known as Sawai Gandharv.
Sawai Gandharv, so reported Gangubai herself, taught her no more than four Ragas. But the training was very strict often practicing for hours monotonously single phrases. Her teacher followed the principle same how one should deal with money. Each note should be used as economically as possible. Gangubai remained always faithful to this rule during her 80 years long musician career. At the beginning she presented songs of light Indian classicals, Bhajans and Thumris. Later she focused completely to the Khayal, the modern singing style of North Indian classics. Khyal means “imagination”. This style developed from the Qawwali, from Sufi music with Muslim influence in the 17th century at the court of Mohammed Shah Rangile (1719-1748). The Khayal gives a musician free space for improvisation and possesses nevertheless a clear essential structure, either in the slow tempo, bada khyal or as chhota Khayl in a fast tempo.
Gangubai is well-known for she interpreted the Khayal in slow tempo, note for note which is the substantial characteristic of the Kirana Gharana, one of India’s music schools.
With her musical tools Gangubai could still give her last concert at the age of 93 on 12th March 2006. Although particularly from the loss of her daughter in 2004 she had to use a wheelchair and became in need of care for the last years of her impressive life.
On 17th May 2009, two months before their dying the “voice of the tradition” inaugurated the “Naryan Academy OF Hindustani Classical Music” in Hubli… and under the roof of the Hangal Music Foundation a national memorial award will honor artists with outstanding earnings/services for Indian Classical Music.
The Padmavibhushan Dr. Gangubai Hangal Memorial National Award will be assigned in 2010 to the outstanding singer Pandit Bhimsen Joshi (see right picture, 1st row). Bhimsen Joshi was introduced various times in IMC OnAir’s radio shows.
Khayal in Raag Bageshree (late night raga), quick tempo: Drut… see complete playlist.
“Voice of Tradition (Die Stimme der Tradition) – Dr. Gangubai Hangal” (eine biographische Sendung)
Dr. Gangubai Gangubai ist eine Vertreterin der nordindischen Klassik. Diese Ausnahmesängerin kam uns in der Sendung “Frauen in der indischen Klassik” (Teil1) schon einmal zu Gehör, neben bedeutenden Vertreterinnen Nord- und Südindiens.
Der Todestag des “Vaters des Khayals”, wie man Gangubai Hangal auch nannte, jährte sich am 21. Juli während der jährlichen Sommerpause von IMC OnAir. Wir möchten dies zum Anlass nehmen, dieser herausragenden Künstlerpersönlichkeit eine ganze Sendung zu widmen.
S e n d e t e r m i n… 17. August 2010 – 21:00 Uhr (MESTZ) streaming (Internet Radio & Mobile Radio) | podCast
In der geschichtlichen Bedeutung wir Gangubai als die einflussreichste Künstlerin gesehen, die Frauen zur Emanzipation im indischen Gesang verholfen hat. Neben vier Ehrendoktorwürden erhielt Gangubai 1971 – im Alter von 58 Jahren – den Padma Bhushan, und erst 2002 den Padma Vibhushan, der zweithöchste zivile Orden Indiens. 2002 war auch das Jahr, in dem bei Gangubai Knochenkrebs diagnostiziert wurde, den sie nach drei Jahren Behandlung erfolgreich überwinden konnte.
Gangubai wurde 1913 im südindischen Bundesstaat, in Karnataka, geboren. Gangubai stammt aus einer einfachen Familie, deren frühere Generationen den Gangamats angehörten, der Kaste einfacher Bootsleute, die auch Ackerbau betreiben. Ihre Herkunft aus diesem sozial-einfachen Millieu brachte Gangubai in ihrer frühen Karriere die Ablehnung der orthodoxen Brahmanen ein. Es schickte sich nicht für Frauen, sich mit Künsten den Lebensunterhalt zu verdienen. Obgleich ihr Vater, Shri Nadgir und ihr Ehemann, Shri Gururao Kaulgi ebenfalls der Kaste der Brahmanen angehörten, herrschte in ihrer Familie das Standesbewusstsein vor, dass Frauen eine Zierde eines Mannes seien: Angavashtra. In der Wortbedeutung heisst dies in etwa: ein zusätzliches Kleidungsstück, das feingeistigen Männern als Statussymbol schmückt.
Die Familie von Gangubai zog 1928 von Dharwad, ihrem Geburtsort zu dem 20 Kilometer süd-östlich gelegenen Hubli, damals wie heute ein kommerzielles Zentrum mit ca. 1.5 Millionen Einwohnern. Hubli blieb für Gangubai ihre Wahlheimat bis zu Ihrem Ableben am 21. Juli 2009.
Bildquelle: v.l.n.r.: with courtesy to indiasummary.com, Eric Parker (Flickr), Hinduonnet.com (1. Reihe);
Vikas Zutshi (Blogspot), Wikipedia.org , cbc.ca/daylife.com/Guardian.co.uk (2te Reihe)
Den künstlerischen Durchbruch erlangte Gangubai im Alter von 20 Jahren, mit einem Konzert im damaligen Bombay, 1933. Maßgeblichen Einfluss auf die gesanglichen Qualitäten von Gangubai waren neben ihrem musikalischen Talent die strenge Ausbildung, die sie 15 Jahre lang von Pandit Rambhau Kundgolkar erhielt, in Indien eher bekannt als Sawai Gandharv.
Sawai Gandharv, so Gangubai selbst, lehrte sie nicht mehr als vier Ragas. In ihrer strengen Ausbildung, die oft stundenlanges, monotones Üben einzelner Phrasierungen bedeutete, folgte ihre Lehrer dem Prinzip, wie man mit Geld umgehen sollte. Jede Note sollte so sparsam wie möglich eingesetzt werden. Dieser Regel blieb Gangubai in ihrer 80-jährigen Musikerkarriere stets treu. Während sie noch zu Beginn Lieder der leichten indischen Klassik, Bhajans und Thumris präsentierte, verschrieb sie sich später ganz dem Khayal, dem modernen Gesangsstil der nordindischen Klassik. Khyal, das bedeutet “Imagination”. Dieser Gesangsstil hat sich aus dem Qawwali, aus der Sufi-Musik mit muslimischer Prägung entwickelt, im 17ten Jahrundert am Hofe von Mohammed Shah Rangile (1719-1748). Der Khayal gibt dem Musiker viel Freiraum für Improvisation und besitzt dennoch eine klare Grundstruktur, entweder im langsamen Tempo, bada khyal oder als chhota Khayl, im schnellen Tempo.
Gangubai ist dafür bekannt, dass sie den Khayal in langsamen Tempo ausführte, Note für Note, dem wesentlichen Merkmal der Kirana Gharana, eine der indischen Musikschulen.
Mit diesem Rüstzeug konnte Gangubai noch im Alter von 93 Jahren, am 12. März 2006 ihr letztes Konzert geben, obgleich sie, besonders von dem Verlust ihrer Tochter in 2004, gezeichnet, im Rollstuhl saß und für die letzten Jahre ihres Lebens pflegebedürftig wurde.
Am 17. Mai 2009, zwei Monate vor ihrem Ableben, hatte die “Stimme der Tradition” in Hubli die “Naryan Academy of Hindustani Classical Music” eingeweiht… und unter dem Dach der Hangal Music Foundation wird ein Gedächtnispreis, der Padmavibhushan Dr Gangubai Hangal Memorial National Award vergeben, als nationaler Award zur Auszeichnung von Künstlern mit herausragenden Verdiensten um die indisch-klassische Musik. In 2010 wird er an den herausragenden Sänger Pandit Bhimsen Joshi (s. linkes Bild, 2. Reihe) vergeben. Bhimsen Joshi wurde diverse Male in unserer Sendung vorgestellt.
Khayal in der Ragaform Bageshree (Spätnachtraga), schnelles Tempo Drut… s. vollständige Playlist.
Quelle: v.l.n.r.: with courtesy thank’s to indiasummary.com, Eric Parker (Flickr), Hinduonnet.com (1st row);
Vikas Zutshi (Blogspot), Wikipedia.org , cbc.ca/daylife.com/Guardian.co.uk (2nd row)
Die indisch klassische Musik wird seit Jahrhunderten in Form des uns im Westen bekannten Kammerspiel-Ensembles präsentiert.
Im Jugalbandi gibt es wenigstens zwei Solisten, die gleichberechtigt nebeneinander spielen. Man kann nicht zwischen einem Begleitinstrument und einem Hauptakteur unterscheiden. Es ist wie die Begegnung zweier Fremder, die miteinander synergetisch in einen Dialog treten. Werden diese von zwei Rhythmikspielern begleitet, z.B. auf der Tabla und Pakhawaj, spricht man von einem „Double Jugalbandi“.
S e n d e t e r m i n e … 20. Juli 2010 – 21:00 Uhr (MESTZ) (Erstausstrahlung: 19.10.2009) broadcasting plan | streaming (Internet Radio & Mobile Radio) | podCast
Der Begriff „Jugalbandi“ (o. Jugalbhandi) bedeutet im Wortsinne etwa „in einander verschlungene Zwillinge“ (twins tied together / to tie a pair). Im Dhrupad wie auch in anderen Genres des Musikschaffens, findet sich das Wort ‚yugul“ wieder. Es bedeutet „Paar“.
Jugal (S) = Paar + bandi (A) = verbinden
Die Einführung des Jugalbandi kann nicht genau datiert werden. Während der Khayal, ein moderner und eleganter Gesangsstil der nordindischen Klassik als Soloform – Ekala – meist einem einzelnen Sänger vorbehalten bleibt, kennt man das Gesangsduett (s.g. Jugal-Gaan) bereits im ältesten Stile der nordindischen Klassik, dem Dhrupad. Die Entstehung des Dhrupad kann auf etwa 100 n. Chr. datiert werden.
Bombay Sisters
Ravi Shankar & Ali Akbar Kahn
Wadali Brothers
Senior Dagar Brothers
Sikkil Sisters
Vilayat & Shujaat Khan
Rajan & Sajan Mishra
Nathamuni Brothers
Hinweis: IMC OnAir’s Sendung „Jugalbandi – das Duett in der indischen Klassik“ grenzt sich inhaltlich zu dem gleichlautend kompositorischen Begriff ab. Der indische Musikwisschenschaftler Vishnu Narayan Bhatkhande verfasste Jugalbandi-Kompositionen. Bhatkhande lebte bis 1936 (10. Aug. 1860 – 19. Sept. 1936); auf ihn geht das Klassifizierungschema der nordindischen Ragas zurück, das s.g. Thaat-System. In seinen Jugalbandi-Kompositionen griff Bhatkhande eine traditionelle Ragaform auf und stellte ihr eine moderne Abwandlung gegenüber. Durch diesen Kontrast kristallisiert sich für das Publikum die traditionelle Ragamelodik (redaktionelle Anmerkung: „inhaltsbeschreibend“ im Gegensatz zur Melodie als „formbeschreibend“) deutlich hörbar heraus.
Jugalbandi mit Ragamala-Malerei (miniature painting)…
The Indian classical music is performed for many centuries as the in Western style well known chamber ensemble.
A Jugalbandi is at least of two soloists (vocalist or instrumentalist), who play hand-in-hand. One cannot differentiate between an accompanying instrument and a single solo player. It is like the meeting of two strangers, who step synergeticly together into a dialogue. They can be accompanied by two percussionists, e.g. on the Tabla and Pakhawaj. This constellation is named as „double Jugalbandi“.
dates of broadcasting… 20th July 2010 – 09:00 p.m. (MESTZ) (premiere: 19th October 2009 – 10:00 p.m. (MESTZ) broadcasting plan | streaming (Internet Radio & Mobile Radio) | podCast
The term „Jugalbandi “(or jugalbhandi) literary means „twins tied together“. In the Dhrupad (vocal style) same as in other categories of music work the term appears as “yugul “. It means „pair “.
Jugal (S) = pair + bandi (A) = to bind
The introduction of the Jugalbandi cannot be dated exactly. While the Khayal, a modern and elegant vocal style of North Indian Classics (Hindustani) mainly exist as solo form (Ekala) usually reserved for solo singers, the vocal duet was already known in the in oldest style of Hindustani, the Dhrupad. The birth of the Dhrupad can approximately be dated back to 100 AC .
Bombay Sisters
Ravi Shankar & Ali Akbar Kahn
Wadali Brothers
Senior Dagar Brothers
Sikkil Sisters
Vilayat & Shujaat Khan
Rajan & Sajan Mishra
Nathamuni Brothers
Note: IMC OnAir’s radio show „Jugalbandi” defines the duet in Indian Classics contentwise to the identically compositorial term. The Indian musicologist Vishnu Narayan Bhatkhande created Jugalbandi compositions. Bhatkhande lived till 1936 (10 Aug 1860 – 19 Sept 1936); he is the inventor of the classification scheme of North Indian ragas, the so called Thaat system. For his Jugalbandi compositions Bhatkhande picked up a traditional raga form and confronted to it with a modern modification. By this contrast the traditional Raga melodic was clearly audible for the public (editorial note: melodic is a „content describing“ contrary to the melody as „form describing “).
Jugalbandi with Ragamala paintings (miniature painting)…
Platon komponierte seine Werke nach musikalischen Prinzipien
Platon – Legionen von Kommentatoren haben ihn seit der Antike gelesen und tausendfach ausgelegt. Trotzdem gelingt es hin und wieder einem Forscher, Neues zu entdecken. So auch jetzt dem Philosophen Jay Kennedy: Er will in Platons Dialogen eine Struktur erkannt haben, die auf antike griechische Musiktheorie verweist.
Antike Kommentatoren hatten bereits auf “Symbole” hingewiesen, doch in der heutigen Forschung wurde dieser Bemerkung kaum Beachtung geschenkt.
Der Forscher der University of Manchester ging von der Hypothese aus, dass für Platon die Anzahl der Zeilen Bedeutung hatte. Als erster wertete er sie per Computer aus und fand mehrere sich wiederholende Muster: Bei acht Dialogen entspricht die Gesamtzahl der Zeilen Vielfachen von zwölf. Klar abgetrennte Reden innerhalb der Texte entsprechen oft Vielfachen des zwölften Teils des Gesamtdialogs. Negative Konzepte wie die Tyrannis, der Tod und die Unterwelt kommen in vielen Texten oft ab dem zehnten Zwölftel der Gesamtlänge vor, Positives bleibt dem Abschnitt ab dem achten Zwölftel vorbehalten.
Auf diese strukturierende Zwölf gründet Kennedy seine Argumentation: Genau so viele Stufen hatte die griechische Tonleiter und innerhalb dieser galten Intervalle zwischen Grundton und einigen anderen Tönen als harmonisch, andere als unharmonisch. Der zehnte Ton in Kombination mit dem ersten beispielsweise wurde als unästhetisch empfunden, der achte hingegen als angenehm. Diese Harmonielehre lässt sich nun laut Kennedy auf die Dialogabschnitte übertragen, denn dort, wo die unharmonischen Intervalle liegen, stellt Platon die erwähnten negativen Konzepte vor. An den Stellen, wo harmonische Intervalle liegen, schreibt Platon über Positives.
Bis Kennedy zu dieser Erkenntnis gelangte, musste er eine beträchtliche Schwierigkeit überwinden: Platons Schriften sind nicht im Original überliefert, sondern liegen größtenteils als mittelalterliche Kopien vor. Aus diesen versuchte der Forscher nun, die mutmaßliche Zeilenzahl der Originalversionen so gut es geht zu rekonstruieren, etwa indem er Satzzeichen strich oder Abschnitte herauskürzte, die nach vorherrschender Meinung erst von späteren Generationen einfügt wurden.
Kennedys Analyse wird allerdings kaum zu einer vollkommenen Neuinterpretation Platons führen. Zu wichtig ist der vordergründige Sinn, als dass ihn der neue, hintergründige zerstören könnte. Allerdings wird nun nachvollziehbar, warum die platonischen Gespräche – vorher scheinbar ohne Sinn – von einem Thema zum anderen mäandrieren. Auch das Urteil, Platons Dialoge endeten unabänderlich darin, dass sich die Streitenden ihre Unwissenheit eingestehen, könnte durch die neu entdeckte Struktur in Frage gestellt werden, denn: “Platons positives philosophisches Programm steckt in der Struktur der Texte”, resümiert Kennedy. (cr)
Apeiron: a journal of ancient science and philosophy 43, S. 1-31, 2010.
A soulful tribute to Carnatic composers on the occasion of World Music Day
Violin maestro K. V. Reddy felicitated on the occasion
The rhythm was perfectly in sync with the mood that enveloped the precincts of Ghantasala Venkateswara Rao Government College of Music and Dance on Monday evening.
The impact of the mellifluous renditions by renowned performers was deep and emotional. Paying glowing tributes to some of the celebrated ‘vaggeyakaras’ (composers of Carnatic classical music), The Hindu Friday Review in association with Manyam’s Property and Wealth Management Systems Limited and Swara Jhari, a cultural organisation, doled out a musical-packed evening on the occasion of World Music Day. Rightly called ‘Yendaro Mahanubhavulu’, the show was a fitting homage to the music composers who left behind a treasure of ‘keerthanalu’ and ‘padaalu’ for generations to come.
Felicitated
The occasion was also appropriate to felicitate violin maestro K.V. Reddy. The former lecturer in the Government Music College said he was happy to be associated with a function organised by a newspaper that had a glorious past. “The Hindu Friday Review is my favourite. Besides politics and other general news, The Hindu gives much importance to cultural activities, which is a very healthy sign,” he said.
Leading the troupe that churned out selected renditions and had the listeners asking for more was Modumudi Sudhakar, a renowned musician, who has to his credit over 5,000 concerts performed across the country. A music producer in the All India Radio, Vijayawada, for the last two decades, Mr. Sudhakar sang ‘krithis’ with the meaning and musical beauty that perfectly matched with his mature expression.
PROUD MOMENT: Violinist K.V. Reddy responds to felicitation at a programme in the city on Monday. Swara Jhari president T.S. Ramachandra Rao (left) and Manyam group chairman M. Subramanyam are also seen. (Photo: Ch. Vijaya Bhaskar - The Hindu)
Whether it was Annamayya’s ‘Yenthamaatramuna yevaru talachina…” Jayadeva’s ‘Nijagadasa yadunandane…” or Kshetrayya’s ‘Aligithe vaadaligithe…”, the renditions served as a spiritual sojourn that helped the listeners connect to their inner self. The vocalists rendered in all 13 compositions that had the audience glued to their seats.
Chairman of the Manyam Property and Wealth Management Systems Limited K.S. Subramanyam and The Hindu Regional General Manager K. Chandrasekaran spoke. Senior journalist C. Raghavachari and others were present.
« Musique au féminin » est le thème retenu pour la 29ème édition de la Fête de la Musique.
De la muse inspiratrice jusqu’aux héroïnes du répertoire lyrique et à leurs mythiques interprètes, sans oublier les grandes voix du jazz, les rockeuses et la jeune génération de la chanson française, mais aussi la nourrice et ses berceuses, le personnage de la chanteuse réaliste ou de la chanteuse des rues et leur répertoire entré au patrimoine… la « musique au féminin » suggère d’emblée une infinité de variations mais évoque aussi le chemin parcouru pour que les femmes, souvent « interdites » de musique, aient pu y conquérir leur place. Qu’elles soient compositeurs, chefs d’orchestre, instrumentistes ou DJ, beaucoup d’entre elles, par leur talent et leur volonté, peuvent en témoigner aujourd’hui.
C’est leur créativité, leurs combats, la vérité profonde de leurs répertoires qui seront mis à l’honneur le lundi 21 juin 2010.
For the Ragas of our time there exist a variety of combinations. The ascending and descending scales (arohana and avaroha) can exist of 5, 6 or 7 main notes (oudava, shadava or sampoorna).
In the Natya Sastra , which is the fundamental work by the sage Bharata Muni with more than 6000 Sutras defining the notation of the Raga modi which can be understood as the origin of the melodic structure of modern Ragas, the so called Jati-s. In all India the Jatis had been popular particularly for the singing.
The Natya Sastra classified the Jati-s in 18 groups, seven (7) as pure forms, from which 146 modified ragas can be defined… and eleven (11) hybrid forms with a multiplicity of variations.
Almost at the same time the musical scripture “Dattilam” written by the (Muni) Dattila followed the Natya Sastra. It is dates approximately between the 4th century BC and 2nd century AC. The Dattilam described the Jati-s more exactly each with ten (10) characters from those the melodic structure of the contemporary ragas of North Indian Classics had developed.
For the ancient ragas the weighting of a note (swara) was described with the term Amsa. Amsa is in its function multivarious. Among others it is the note, with which the complete character of a raga is described, e.g. in form of a stabalizing element as Nyasa Swara.
In the arrangement of a raga which is subjected to a strict set of rules each phrasing has a starting point: with Graha the position of a note is described, more exactly: the note, with which a Raga exposition must be begin. Graha is the initial note and Nyasa the conclusion. The instrumentalist or vocalist returns at the end of a melodic phrasing to Nyasa as “melodic center” and “quiescent pole”.
