Welcome to the Blog site of IMC OnAir – IMCRadio.Net, a broadcasting show on radio (cable/antenne + internet/mobile radio + podcast) as the single all years programme for Indian (Music) Culture in the whole German language area – with both German and international formats in English language.
During the phase of development and onging maintenance of this new blog, don’t hesitate to follow our webpages in traditional form:
IMC ONAir, two language website (English / German) …
- standard format “Raga CDs of the Months” (DE)
- special feature “From India to Europe … Festivalreport” (DE)
- special feature “StudioTalk” (DE/ENG)
Carnatic music, also known as karṇāṭaka sangītam is one of the two styles of Indian classical music, the other being Hindustani music. The present form of Carnatic music is based on historical developments that can be traced to the 15th – 16th centuries CE and thereafter. From the ancient Sanskrit works available, and the several epigraphical inscriptional evidences, the history of classical musical traditions can be traced back to about 2500 years. [read full text...]
Hindustani Classical Music is an Indian classical music tradition that took shape in Northern India in 13th and 14th centuries AD from existing religious, folk, and theatrical performance practices. The origins of Hindustani classical music, the classical music of India, can be found from the oldest of scriptures, part of the Hindu tradition, the Vedas. Samaveda, one of the four Vedas, describes music at length. The Indian classical music has its origin as a meditation tool to attain self realization. [read full text...]
The origins of Indian classical music can be found from the oldest of scriptures, part of the Hindu tradition, the Vedas. Samaveda, one of the four Vedas, describes music at length. Indian classical music has its origins as a meditation tool for attaining self realization. All different forms of these melodies (Ragas) are believed to affect various “chakras” (energy centers, or “moods”) in the path of the “Kundalini”. [read full text...]
Art Parade – culture rises up! Stuttgart, 19th November 2009, from 2 pm on
All persons engaged in the cultural sector are most welcome to join the parade!
What is an art parade?
The Art Parade transcends a political demonstration. In an interdisciplinary procession of arts, it will show that Stuttgart’s culture is alive. The Art Parade incorporates and brings the city’s cultural diversity to the streets, demonstrating a lively and creative community. We stand for culture, arts, music, literature, film, theater and for Stuttgart. With the creative potential of the arts: new ideas, new solutions and masterminds, we are fighting for Stuttgart’s basic needs in the face of this crisis.
Therefore, the art parade focuses on a constructive dialog between with the members of the municipal council.
Why join?
Financial shortages and cancelations are in store for many cultural institutions in Stuttgart. December 18th, the municipal council will terminally decide on the scheduled measures. Considering this it is all about solidarity with cultural institutions whose existence is urgently threatened. It is also very important to collectively show the big potential of the cultural life of Stuttgart and what it brings with; it makes communities more fruitful and it builds the cornerstone for a creative cooperation which unconditionally needs a sustainable sponsorship.
Where to?
The parade route passes several cultural institutions that leads to the city centre. The final manifestation will be in the town hall square. The art parade will conclude with a closing speech on the necessity of cultural sponsorship and education in times of crisis. Afterwards we will distribute our claims to the municipal council in the so called „Stuttgarter Appell“.
How to join!
The procession is coordinated by a team in association with the organisation kunst08+. All persons engaged in the cultural sector and all cultural institutions are appealed to register as soon as possible! Send us your logo and take part with your actions at the 19th November from 2 pm on!
meeting point & route: www.artparadestuttgart.de and www.e-stuttgart.org
Jazz is a celebration of the human spirit expressed through music. Jazz Utsav is a festival of this celebration, the annual coming together of jazz music, jazz musicians and jazz fans for three days in November, in Mumbai and Delhi.
Since the 1980s, when it was known as the Jazz Yatra, this festival of music has been one of the highpoints of the cultural calendar in the two cities.
From the early years, musicians from all over the world, many of them household names, like Sonny Rollins, Stephan Grappelli, Trilok Guru and Freddie Hubbard, have enthralled audiences.
Programme 2009
The Utsav this year has an equally formidable global line-up, with bands from six countries, Belgium, Britain, Canada, Germany, Norway and Poland. And, of course, keeping in mind the objective of promoting jazz music and musicians in the country, there will be top Indian representatives at both Delhi and Mumbai.
Line ups 2009:Beatlejazz (Brian Melvin – Drums & Percussion, Jon Davis – Piano, Peter Barshay – Bass), Wayne Krantz, Anthony Jackson, Cliff Almond & David Binney, Nils Olav Johansen Quartet, Eric Vloeimans Quartet, Amit Heri & Sanjay Divecha, Rafal Gorzycki EP Trio, Andrea Marcelli Trio, Thaerichen Tentet, Saskia Laroo Band
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from left to right: beatleJazz, Wayne Krantz, Nils Olav Johansen
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from left to right: David Binney, Eric Vloeimans Quartet, Antony Jackson
20 Nov, 2009
Ambedkar Auditorium, Vasanth Nagar
Main Gig
Entry Fee
Gates Open at 7:00pm
DELHI
21 Nov, 2009
ICCI Auditorium,Tansen Marg
Main Gig
Entry Fee Rs. 500.00
Performance Times 6:30 – 10:00PM
Gates Open at 6:00PM
22 Nov, 2009
Seagrams 100 – Pipers – Jazz Utsav 2009
FICCI Auditorium, Tansen marg
Main Gig
Entry Fee Rs. 500.00
Performance Times 6:30 – 10:00PM
Gates Open at 6:00PM
MUMBAI
21 Nov, 2009
Priyadarshini Park,
Main Gig
Entry Fee
22 Nov, 2009
Priya Darshini Park, Napean Sea Road
Main Gig
Entry Fee Rs. 750.00
Gates Open at 6:00 pm
Jazz Utsav is organized by Capital Jazz in Delhi and Jazz in Mumbai.
CAPITAL JAZZ (Mumbai Chapter)
Chairman: Mr. Nasser Munjee Hon Joint Secretaries: Mr. Ashok Gulati & Mr. Prakash A Thadani
Selection Committee: Mr. Louiz Banks + Mr. Jayanta Sengupta
Members of Capital Jazz
Committee: Sir Jehangir Jehangir, Malini Thadani, Nakul Mehta, Sunil Sampat
The Indian Classical Music – epecially the North Indian Classics (Hindustani) – experienced a noticeable change. Before it had been a courtly art part of the activities of the courtesans (Tawaifs). Indian Classics developed in the 19th and 20th centuryto an appreciative art form, which is learned by young girls and women from respected families and practiced as occupation.
dates of broadcasting… 16th November 2009 – 10:00 p.m. (METZ) broadcasting plan | streaming (Internet Radio & Mobile Radio) | podCast
The Hindustani music particularly stood in the early Indian Middle ages under Persian influence. A Patronage at the court of the Mughals in the 16th century promised the courtly arts and artists prosperity. Many young girls were trained in performing arts, the Kathak dance and Indian Classical Music, literature with poetry forms like the Ghazals and Thumris.
The Thumri form is a genre of the light classical music, frequently sung at the spring fest and to the colors of Hori celebration. Originally the Thumri-s were expressing emotional expressions by gestures and facial expressions (mimics), so called Abhinaya. In the further development this presentation form disappeared and remained for Indian dance. The singers switched over to purely vocal improvisation forms without lyrics, the so-called Bol Banav-Ki Thumris.
On 29 August 2009 the documentary film „Rasoolan Bai – The other song“ (Das andere Lied) had its show case in the Bangalore Internationally Centre (Bangalore). Rasoolan Bay (1902-1974) from Varanasi formed together with Badi Moti Bay of Benares, Siddheswari Devi (1907-1976) and Begum Akthar (1914-1974) the quartet of the singing queens.
The rebel Gangubai Hangal (Gaanewali) had broken the gender-specific barriers in North Indian Classics. Gangubai is called „the father of the Khayals “, the modern vocal style of Hindustani music. When the singer Gangubai Hangal died in July 2009 at the age of 97 years after long illness critical voices had been heard which manifested that the era of the woman power in Indian classical music came to its end.
Rasoolan
Bai
Begum
Akthar
Badi
Moti Bai
Siddheswari
Devi
Gangubai
Hangal
In our Western understanding in India exist a transfigured woman picture of the eternally female divine: Already in the epical times no religious rituals were hold without participation of the women. With the Ashtanayikas, the eight heroins appear a woman picture till today we find in India.
In the South Indian Classics (Carnatic) the practice of the art was particularly reserved to the members of the Brahmins, a kind of priesthood. Women had it very difficult to attend the stage and appear with music in the public. In the beginnings of the phono industry women hardly found male companions for disc recordings.
Under the influence of the Hindu myths one can meet in Indian the opinion that the trinity of the goddesses, Durga, Lakshmi and Saraswati revealed themselfs to the humans as avatars in form of the singing virtuosos DK Pattammal (1919-2009), MS Subbalakshmi (1916-2004) and ML Vasanthakumari (1928 – 1990).
Their arrival terminated male dominance in South Indian classics. It began an era of the divine, creativity and innovation within the borders of traditional values.
They were artists, who completely got carried away in music, not because of success, fame or the money. These women were masters of multitasking, fulfilled various tasks in most different roles, as mothers, wives, sisters, teachers or grandmothers.
D.K. Pattammal
M.S. Subbalakshmi
M.L. Vasanthakumari
While today many artists seem to live most different identities at the same time, Pattammal, Subbalakshmi and Vasanthakumari were led only by one identity.
Typical for Asia the presence and function of a selfless, divine love (Bhakti) was for these mistresses their driving power, in order to overcome steadily largest social discrimination up to their artistic acknowledgment.
Im 19./20. Jahrhundert hat die indisch klassische Musik, im Besonderen die nordindische Klassik (Hindustani) einen spürbaren Wandel erfahren. War sie als höfische Kunst der Arbeitsplatz der Kurtisanen (s.g. Tawaifs), hat sich die indische Klassik zu einer anerkannten Kunstform entwickelt, die von jungen Mädchen und Frauen aus angesehenen Familien erlernt und als Beruf ausgeübt wird.
Die Hindustani-Musik stand im frühen indischen Mittelalter besonders unter persischen Einfluss. Im 16. Jahrhundert versprach eine Patronage am Hofe der Großmogule den Kunstschaffenden und Artisten Wohlstand. Viele junge Mädchen wurden in den darstellenden Künsten ausgebildet. Dazu gehörten der Kathak-Tanz und die indische Klassik, die Literatur mit Poesieformen wie den Ghazals und Thumris.
Die Thumri-Form ist ein Genre der leichten Klassik, häufig zum Hori-Fest, dem Frühlingsfest der Farben gesungen. Ursprünglich wurden die Thumri-s mit viel emotionalem Ausdruck durch Gestiken und Gesichtsmimiken – Abhinaya – ausgedrückt. In der weiteren Entwicklung verschwand diese Darstellungsform, die dem indischen Tanz vorbehalten blieb. Die Sängerinnen wichen dafür auf rein stimmliche Improvisationsformen ohne Lyrik aus, die sogenannten Bol-Banav-Ki Thumris.
Am 29. August 2009 wurde der Dokumentarfilm „Rasoolan Bai – Das andere Lied“ (original: The other Song) im Bangalore International Centre (Bangalore) der Öffentlichkeit vorgestellt. Rasoolan Bai (1902-1974) aus Varanasi bildete zusammen mit Begum Akthar (1914-1974), Badi Moti Bai von Benares und Siddheswari Devi (1907-1976) das Quartett der Gesangsköniginnen.
Von dem Rebell Gangubai Hangal (Gaanewali) wurden die geschlechterspezifischen Barrieren in der nordindischen Klassik durchbrochen. Gangubai wird auch als der „Vater des Khayals“ bezeichnet, dem modernen Gesangsstil der Hindustani-Musik. Als die Sängerin Gangubai Hangal, im Alter von 97 Jahren, im Juli 2009 nach langer Krankheit verstarb, wurden Stimmen laut, die bekundeten, dass die Ära der Frauenpower in der indisch klassischen Musik zu Ende sei.
Rasoolan
Bai
Begum
Akthar
Badi
Moti Bai
Siddheswari
Devi
Gangubai
Hangal
Nach unserem westlichen Verständnis existiert auch ein verklärtes Frauenbild des ewig weiblich Göttlichen: Schon in der epischen Zeit gab es keine religiöse Handlung ohne Beteiligung der Frauen. Mit den Ashtanayikas, den acht Heroinnen zeigt sich ein Frauenbild, das wir noch heute in Indien antreffen.
In der südindischen Klassik (Carnatic) war die Ausübung der Kunst besonders den Mitgliedern der Brahmanen, eine Art Priesterschaft vorbehalten. Frauen hatten es schwer, auf die Bühne zu gelangen und sich mit ihrer Musik öffentlich zu zeigen. In den Anfängen der Phonoindustrie fanden Frauen für Schallplattenaufnahmen kaum männliche Begleiter.
Unter dem Einfluss der hinduistischen Mythen trifft man in Indian auf die Meinung, dass sich das Dreigestirn der Göttinen, Durga, Lakshmi und Saraswati den Menschen als Avatare in Gestalt der Gesangsvirtuosinnen DK Pattammal (1919-2009), MS Subbalakshmi (1916-2004) und ML Vasanthakumari (1928 – 1990) offenbarte.
Ihre Ankunft beendete die männliche Dominanz in der südindischen Klassik. Es begann eine Ära des Göttliche, der Kreativität und Innovation innerhalb der Grenzen traditioneller Werte.
Es waren Künstlerinnen, die ganz in der Musik aufgingen, nicht des Erfolges, noch des Ruhmes oder des Geldes wegen. Diese Frauen waren MeisterInnen des MultiTaskings, erfüllten vielerlei Aufgaben in unterschiedlichsten Rollen, als Mütter, Ehefrauen, Geschwister, Lehrer oder Grossmütter.
D.K. Pattammal
M.S. Subbalakshmi
M.L. Vasanthakumari
Während heute viele Künstler unterschiedlichste Identitäten gleichzeitig zu leben scheinen, waren Pattammal, Subbalakshmi und Vasanthakumari von einer einzigen Identität geleitet.
Die für Asien typische Präsenz und Funktion einer selbstlosen, göttlichen Liebe (Bhakti) war für diese Meisterinnen des Gesangs ihre Antriebskraft, um beständig auch grösste gesellschaftliche Widerstände bis zu ihrer künstlerischen Anerkennung zu überwinden.
JazzFest Berlin ’09
“It Must Schwing!” and More at JazzFest Berlin ’09
JazzFest Berlin ’09, which takes place this year from November 4th to 8th, is organized around the theme: “Blue Note: 70 years.” Both founders of the renowned jazz label, Alfred Lion (“It Must Schwing!”) and Francis Wolff, were Berlin natives, and both emigrated to the United States in the 1930s.
Francis Wolff photographed the musicians and designed covers for their recordings. On view at Berlin’s Jewish Museum beginning on October 30th is a large selection of these images – an ideal occasion for presenting several choice artists beneath the museum’s glass-topped courtyard, among them Texan pianist Robert Glasper, who made his Blue Note debut in 2005. Aaron Parks, just 25 years old, has also recently signed a contract with Blue Note Records. His debut album “Invisible Cinema” was greeted with enthusiasm, and won him inclusion in the elite company of the “New Jazz Visionaries” (JazzTimes).
Among the most celebrated Blue Note artists of the present is the trumpeter/composer Terence Blanchard. He opens JazzFest Berlin ’09 on November 4th with a performance of his “A Tale of God’s Will (A Requiem For Katrina)” accompanied by the Deutsche Filmorchester Babelsberg. Julian Benedikt’s Grammy-nominated film “Blue Note – A Story of Modern Jazz” (1997) will be screened free of charge at a Sunday matinee at the Martin-Gropius-Bau. Other classic Blue Note tinged events include performances by trombonist Curtis Fuller and by Sheila Jordan, the first singer to stand in front of Alfred Lion’s microphones, accompanied by Steve Kuhn, another artist with the celebrated label.
Alongside this musical main course, Nils Landgren – the Artistic Director of JazzFest Berlin – has included some additional hors d’oeuvres in the festival menu in keeping to his time-tested motto: “show good music.” Among these is a colorful “smorgasbord” of the Scandinavian bands that have featured so prominently since the beginning of Landgren’s tenure, including the Tingvall Trio, the Ensemble Denada, Mathias Eick, and Arild Andersen.
The jazz of northern Europe finds its counterpart in South Africa’s post-Apartheid generation of musicians: presented at Thursday evening’s concert will be percussionist and famed instructor Dizu Plaatjies and Afro Soul singer Lira.
New Orleans has been a source of constant inspiration For Nils Landgren, and remains close to his heart. Featured besides the above-mentioned opening event featuring Terence Blanchard is John Scofield’s Piety Street Band at the festival’s close, who follow up the Berlin “Schwing” of the preceding days by giving us a taste of their “I’ll fly away” swing.
PS. Are you familiar with the celebrated Neumann microphones?
Then your next step is the Georg-Neumann Saal of Berlin’s Jazz Institute am Einstein Ufer, the latest JazzFest performance venue – a hotbed of talent and a launching pad for creative young jazz artists.
Since 20 years Swiss-French trumpet player Erik Truffaz has been opening up new perspectives on the European jazz horizon. With his quartet he has been following in Miles Davis’ footsteps on the gateway between acoustic and electronic music. Once in a while he takes time out of the quartet routine and goes traveling. His recent triple CD Rendez-Vous is a sonic travelogue about his journeys to India, Paris and Mexico. Joining him on this musical trip are mexican electronic minimalist Murcof and London based tabla player/producer of Indian origin, Talvin Singh.
A co-operation with Jewish Museum Berlin
(Source: 10/2009 – Berliner Festspiele | Jazz Fest 2009)
Murcof, Erik Truffaz and Talvin Singh live at the 2006 Montreux Jazz Festival (part 1)
Murcof, Erik Truffaz and Talvin Singh live at the 2006 Montreux Jazz Festival (part 2)
Quentin Hardy, 10.29.09, 08:40 AM EDT
Forbes Magazine dated November 16, 2009
Brewster Kahle is a thorn in Google’s side.
Brewster Kahle is a thorn in Google's side (c) Robert Houser
The internet and Brewster Kahle have been good to each other. He made millions from his networked computing inventions and plows millions back into expanding, documenting and providing access to the World Wide Web’s digital trove–in particular, books. He sees his mission as saving the Internet from bad business motives.
“We have to have universal access to everything, just like a library,” he says. “Do we want that under a single corporation’s control? It is openness, not corporate control, that propels capitalism.”
Single corporation? That would be the octopus known as Google ( GOOG – news – people ). Google has scanned 10 million books and makes them available for free searching. But there are those who suspect that Google’s intentions are not entirely altruistic. At a minimum, says Kahle, a 49-year-old whose motto is “universal access to all knowledge,” the world needs a diversity of book digitizing sources. Google, a onetime ally, is “a company run by lawyers, always out to see what they can get away with. We need more choice and competition than they want.”
Digital libraries will shape education, creativity and our shared intellectual heritage, Kahle declares. As founder and director of the Internet Archive, Kahle has posted online digital copies of 1.7 million books, 100,000 hours of television, 200,000 video clips, 70,000 concerts and 415,000 audio recordings. All that material can be downloaded for free from the Archive’s Web site.
Kahle has been compiling the library since 1996, two years before Google was incorporated. While many philosophers talk about the promise of free universal access to knowledge, perhaps no one person has done more than Kahle to make it real.
About half the scans from Kahle’s Archive come from Google. People download the Google volumes, then upload them to Kahle’s outfit. Google has not sued him to stop that. Now Kahle seems ready to undermine the search giant himself, for the sake of free content. The cost of keeping the Archive’s 1,000 servers, mostly near San Francisco, is largely funded by libraries and foundations, some of which pay the Archive to scan their books.
On Oct. 19 Kahle released a technology, called Bookserver, that makes it possible for any author, publisher or library to offer a scanned book for free, for sale or on loan. The publisher uses Bookserver software to convert a photo of the original page into a text file, which can then be indexed or fed into a speechifier (for, say, a blind book consumer). The texts can be read on e-book devices like Amazon’s Kindle, Sony ( SNE - news - people )’s Reader, Apple ( AAPL - news - people )’s iPhone and certain laptops. Access to more devices is coming. The files, almost entirely text, are distributed directly from the source controlling the volume, not the Archive itself.
Bookserver uses a range of open source and proprietary electronic book standards, search algorithms, editing tools and libraries. The architecture, as Kahle calls it, potentially separates manufacturers of devices from control over much of the content inside them. It also preserves the idea of the lending library–if you “check out” a volume, others cannot access it in the time allowed to you. Publishers sell their books in the system using credit cards.
The lending angle may be a way to foil Google’s claim on millions of so-called “orphan” books, or texts published since 1923 that are no longer in print. These books are not out of copyright but for the most part are abandoned by their owners, giving some justification to Google’s finders-keepers approach (in which a copyright owner has to opt out to keep a book from the Google library). Kahle’s Archive doesn’t have the post-1923 orphans. But Kahle hopes libraries will use the new Bookserver technology to scan and electronically lend orphans. Kahle reasons that libraries can scan and electronically lend their orphans without violating any laws, just as they lend those volumes today.
Google scanned its books over the past several years, initially claiming rights to reproduce brief snippets of orphans and other texts under the same “fair use” rule that allows book reviewers to quote from a book without permission. At first most authors and publishers were happy that someone was taking the printed past into the digital future. Then they started fretting about who would get rich off this trove. Google now plans to offer its whole library of scanned texts on a rental basis to libraries and in some cases sell individual volumes.
Under threat of lawsuits that could shut down the business, Google’s solution was to work with a handful of publishers and authors in creation of a Book Rights Registry, where authors and publishers could lay claim to their orphaned works. Kahle and others note that Google did no creative work on the books, just photographed them. In the initial registry agreement, now undergoing revisions after objections by both the government and other businesses, Google was the only listed vendor of the texts, raising questions about what status future entrants might have. “They want to monopolize books, particularly out-of-print books,” Kahle says.
If Google’s registry settlement does acquire the force of law, future digitization efforts could be curbed, or simply ignored as one provider becomes the source of choice–the way iTunes dominates digital music and Google gets eight-tenths of all search queries. “Digital stuff is really prone to monopoly,” says Kahle. “The low cost of distribution means you can dominate something very quickly.”
Google, not surprisingly, says it is only here to help. “I am surprised at the amount of confusion and misinformation there is out there,” says Dan J. Clancy, head of Google’s digitization project. “We strongly hope others will enter the market–but we haven’t seen commercial scanning on a large scale.” Indeed, Microsoft ( MSFT – news – people ) has abandoned its effort.
Kahle graduated from MIT in 1982 with a bachelor’s degree in computer science and engineering and a specialty in artificial intelligence. He helped start a company called Thinking Machines, which built supercomputers that used parallel processing (arrays of calculators working shoulder to shoulder). Among other things, the machines were very good at searching the contents of other computers. In 1988 Kahle started Wais as a research project and in 1991 created Wais Inc., a Menlo Park, Calif. company that scanned and listed the content of computer servers on the Internet for better understanding and retrieval. Customers included Dow Jones, the New York Times and the U.S. government, but the project was bypassed as the freedom and superior design of the Web made content accessible to all.
“Back then, we thought you could find and publish things you found for money,” he says. “You couldn’t, until Jeff Bezos and Steve Jobs found ways for individuals to pay for digital content.” In 1995 he sold Wais to America Online for $15 million.
Kahle and his Wais partner, Bruce Gilliat, started both the Internet Archive and Alexa Internet, a company that created software that logged traffic patterns and recommended sites on the Internet. They sold it to Amazon in 1999 for $250 million in stock. The Archive also hosts the Wayback Machine, which preserves Web pages that might otherwise be altered or destroyed. It has 150 billion of those–everything from yesterday’s FORBES online to the 1996 Yahoo ( YHOO – news – people ) home page–available for free. Owners of the pages can opt out and retroactively remove their pages from the Wayback Machine.
Kahle and his wife have put $45 million into a foundation, which should keep Bookserver going for a long time. So far only one big library, the University of Toronto, has signed up to use the Bookserver lending function, but more are expected to join soon.
“This is like those old movies of airplanes trying to get off the ground in 1910,” Kahle says. “We don’t have a 747 yet–but we will, if we open things up enough.”
The BookServer is a growing open architecture for vending and lending digital books over the Internet. Built on open catalog and open book formats, the BookServer model allows a wide network of publishers, booksellers, libraries, and even authors to make their catalogs of books available directly to readers through their laptops, phones, netbooks, or dedicated reading devices. BookServer facilitates pay transactions, borrowing books from libraries, and downloading free, publicly accessible books.
Beim EIGENRTEN FESTIVAL werden indische Musik, Folklore und Tanz präsentiert; in den Jahren 2008 waren es MITO und 2006 new music for 2 guitars. In 2009 ist die indische Kultur mit dem World Drum Trio (7.11.) und “Odissi & Cello” (1.11.) vertreten.
...
v.l.n.r.: World Drum Trio (2009), Odiss & Cello (2009), Mito (2008), new music for 2 guitars (2006)
Dazu war IMC – India meets Classic (Lothar J.R. Maier) am 01.11.2009 mit Judy Engelhard*im Gespräch – im Rahmen der India Week Hamburg 2009.
eigenarten Festival…
Viele HamburgerInnen haben weit verzweigte Wurzeln. eigenarten (www.festival-eigenarten.de) präsentiert jedes Jahr im Herbst aktuelle Projekte von Hamburger KünstlerInnen aus aller Welt. Ausgehend von der eigenen Herkunft wachsen neue kulturelle Bezüge.
Den vorgestellten Produktionen liegen tiefgehende Erfahrungen von Menschen zugrunde, die in mehreren Kulturen zuhause sind. Sie bewegen sich bewusst oder unvorhergesehen durch verschiedene Weltanschauungen und Gesellschaften, sind weit gereist oder erleben täglich vor der eigenen Haustür das Aufeinandertreffen vielstimmiger Lebens- und Denkarten.
Das Programm umfasst hierbei interkulturelle Produktionen aller Sparten. Das daraus entstandene Netzwerk der TeilnehmerInnen und der kooperierenden Institutionen und Förderer ist seit dem Start von eigenarten im Jahr 2000 ständig größer und intensiver geworden.
*) Dipl.-Pädagogin Judy Engelhard studierte in Würzburg und Oldenburg mit dem Schwerpunkt Interkulturelle Pädagogik. In Hamburg Ausbildung zur Sozialmanagerin. Organisation und Durchführung zahlreicher Veranstaltungen in den Bereichen Musik, Theater, bildende Kunst und Stadtteilkultur. Mitarbeit bei verschiedenen Kulturprojekten in Ländern Lateinamerikas und in Indien. Redaktionsmitglied der „IKA – Zeitschrift für internationalen Kulturaustausch.
Das Interview von Lothar J.R. Maier (IMC – India meets Classic) als Audio-Beitrag…
Das Interview im 1:1 re-print…
IMC: Ich bin im Gespräch mit Frau Engelhard von dem Kulturevent in Hamburg: Festival Eigenharten. Es ist ein Event, der in Hamburg seit 10 Jahren im Aufbau befindlich ist und jetzt dieses Jahr sein 10tes Jubiläum bestreitet. Frau Engelhard, können Sie uns ein bisschen etwas zu dem Charakter dieses Events Festival Eigenarten erzählen, und auch zu den letzten 10 Jahren…
JE: Ja, guten Tag. Eigenarten ist eben vor 10 Jahren entstanden. Es wurde auf Initiative von Künstlern, die interkulturell arbeiten, gegründet. Diese Künstler sind ins Referat der damaligen Kulturbehörde, jetzt heisst es ja Behörde für Kultur, Sport und Medien, gegangen; haben mit der damaligen Referenten für Interkultur, Inka Mantai gesprochen und sie doch gebeten, ein Festival zu organisieren, damit sie eine grössere Plattform haben, d.h. diese inter-kulturellen Künstler. Mantai hat damals die Künstler ernst genommen und sagte aber: „Gut, sie kann Geld dafür bereitstellen, aber sie kann es nicht selbst organisieren. Und da sie meinen Verein kennt, Peeng eV, fragte sie uns, ob wir das organisieren wollen. Und das tun wir seitdem.
IMC: … ja, und sehr erfolgreich, kann man sagen. Dieses Festival hat sich zu einer sehr wichtigen Grösse im Hamburger Herbst entwickelt. Ein Festival, das sich über alle Sparten der Kunst erstreckt, vom Film über Theater, Tanz bis hin zur Literatur und selbstverständlich zur Musik. Wie kommt es zu diesem Mix ? – Und wie wählt Peeng eV als Organisator auch dieses jährliche Programm aus.
JE: Also wir wählen das Programm nicht aus. Sondern es gibt eine Jury, seit dem zweiten Festivaljahr. Das erste Festival war noch klein, es erstreckte sich über 4 Tage nur an einem Ort, das Goldbek-Haus. Und heute sind wir mit 38 Veranstaltungen an 11 Tagen und an 22 Orten zu sehen.
Es gibt eine Jury, wie schon gesagt, seit dem 2. Festivaljahr. Sie trifft sich dann für einen langen Abend, und es geht bis in die Nacht hinein. Die sichten dann die zahlreichen Bewerbungen, die wir, das Organisationsteam vorher zusammengestellt haben. D.h. es bewerben sich Künstler mit ihren Projekten bis im Februar. Also es beginnt jetzt schon nach dem Festival, ist ja immer vor dem Festival. Es beginnt schon wieder die Ausschreibungszeit. Bis wahrscheinlich Ende Februar kann man sich wieder bewerben. Dann wird Ende März, Anfang April die Auswahl stattfinden. D.h. wir haben einen Monat zeit, mit den Künstlern in Kontakt zu treten, ihnen noch mal behilflich zu sein bei der Bewerbung, noch mal nachzufragen ob die Kriterien erfüllt sind.
Also die Kriterien für Eigenarten das ist ganz wichtig. Es gibt 3 Hauptkriterien. Das ist:
1. Es muss interkulturell sein das Projekt. Das bedeutet: immer zwei Menschen, die aus unterschiedlichen Kulturen stammen, müssen zusammenarbeiten. Egal in welchem Genre. Aber es müssen zwei Menschen aus verschiedenen Kulturen sein. Das heisst nicht zwei Afrikaner, zwei Lateinamerikaner oder zwei Deutsche arbeiten über eine andere Kultur. Sondern das Wichtigste überhaupt: zwei Menschen aus verschiedenen Kulturen.
2. Hamburg-Bezug muss da sein. D.h. diese Menschen, die Künstler sollten in Hamburg leben. Es hat einfach den Hintergrund, dass die Behörde für Kultur, Sport und Medien aus Hamburg es fördert und wir keine Fahrten bezahlen können.
Und das 3. ist: Es sollen professionelle Künstler sein.
IMC: So ist es ja auch heute Abend mit dem Konzert hier auf dem Gelände der Alsterstiftung, in der St. Nikolaus-Kirche. Wir hatten auf der Sitar Ashraf Sharif Khan, der auch in Deutschland lebt, oder auch in der Zwischenzeit in der Nähe in Hamburg zuhause ist… mit der Hamburger Tänzerin im indischen Tanz Odissi, Gudrun Märtins. Wie sehen Sie denn jetzt den speziellen Aspekt der indischen Kultur innerhalb Ihres Festivals, auch aus dem Rückblick eines Jahrzehnts ?
JE: Spontan fällt mir jetzt nur noch ein indisches Projekt ein, das wir hatten. Das war MITO. Mito ist eine Musikgruppe, die sich aus Indern und Deutschen zusammensetzt. Drei indische Musiker und drei deutsche Musiker haben Mito vor – glaube ich – fast 10 Jahren gegründet, und sind schon 2x bei EIGENARTEN aufgetreten. Die Künstler besuchen sich auch gegenseitig in Deutschland und in Indien. Das ist für mich so ein richtig gut gelebtes, interkulturelles deutsch-indisches Projekt.
IMC: Und was haben Sie für andere Formen von Projekten noch realisiert, sei es im Bereich der Jugend oder wenn es um wirklich inter-kulturelle Begegnung geht zwischen Projekten aus Indien und Deutschland?
JE: Also Peeng eV waren im Jahr 2000 an einem Projekt beteiligt. Es war ein Wandmalprojekt, zum Thema Agenda 21. Und da konnten wir eine Künstlerin aus Delhi nach Hamburg einladen, die hier mit Sönke Nissen(-Knaack), ein Hamburger Maler, ein Wandmaler ein Wandbild verwirklichen konnte. Es ist auch noch zu sehen, in Altona, da wo das frühere Bismarkbad stand… und Sönke Nissen(-Knaack) fuhr dann als deutscher Künstler nach Indien und hat mit Arpana Caur, so heisst die Künstlerin, in Delhi ein Wandbild gemalt.
Wandbild in Neu Dehli von Arpana Caur u. Sönke Nissen im Rahmen von "Mural Global" (internationales Wandbildprojekt zur Agenda 21 - 1999)
IMC: … und diese Erfahrung, die Sie jetzt gemacht haben mit diesen Projekten, insbesondere mit Bezug auf die Publikumswirkung, was können Sie dazu sagen ? – Wenn wir ja von interkulturellem Dialog sprechen, dann denke ich ist auch immer wichtig dieser Aspekt sozusagen der Nachhaltigkeit oder einer gewissen Wirkung auch innerhalb der eigenen Gesellschaft, der eigenen Kultur ?
JE: Also ich kann jetzt einmal vom interkulturellen Festival Eigenarten sprechen… dass wir schon spüren, dass wir immer mehr Publikum bekommen. Dass das Festival auch immer mehr in der Presse angenommen wird, was uns gerade freut, auf dem Hintergrund, dass die Kulturberichterstattung eher zurückgeht. Also wir können eher vermerken: bei uns nimmt sie immer etwas zu. Sie nimmt stetig zu. So dass die Presse auch schon bei uns anruft wenn sie wissen: jetzt ist wieder Eigenarten Festival. Das ist für uns ein grosser Erfolg. Also man wartet direkt darauf im Oktober jetzt müsste Eigenarten wieder auf die Bühne kommen. Also wir finden: das Interesse der Bevölkerung steigt an inter-kulturellen Projekten. Vielleicht weil auch die Gesellschaft immer interkultureller wird. Oder weil wir, oder Hamburg ja jetzt auch schon seit ein paar Jahren auf dem Papier eine Einwanderungsstadt ist und dass die Stadt das auch mehr unterstützt, die Medien es mehr unterstützen und es ist sichtbar.
IMC: Da haben Sie in den nächsten Tagen auch noch mal ein indisches Thema innerhalb Ihres Programms mit einem Hamburger Tabla-Spieler, Swapan Bhattacharya. Wann wird dieses Konzert stattfinden und unter welchem Aspekt der interkulturellen Begegnung steht dieser Konzertabend ?
JE: Das ist World Drum Trio – Percussion in Concert, in der Werkstatt3 am Samstag, den 7. November um 20:30 Uhr. Da treffen sich drei Musiker. Nämlich an der Conga, Percussion: Yogi Jockusch, Tabla, Gatham, Dolak, Gesang: Swapan Bhattacharya und Djembe, Cajon: Oliver Sägebrecht. Es sind eben drei Männer aus verschiedenen Kulturen, die ihre Trommelerfahrungen zusammenbringen, im World Drum Trio, schon ein lange, sehr bekanntes Trio in Hamburg.
IMC: … ein Fusion-Projekt, was schon seit Jahren in Hamburg aktiv ist. Auch mit Swapan Bhattacharya, der seit über 10 Jahren, fast 15 Jahre schon in Hamburg unterrichtet, Tablaunterricht gibt. Und auch mit seiner Hamburger TablaGroup in verschiedenen Events präsent ist. Dürfte also sicherlich ein sehr spannender Abend für die Hamburger Besucher oder auch für Besucher aus dem grösseren Umkreise von Hamburgs sein. Ich bedanke mich für das Gespräch, wünsche auch für dieses Festival weiterhin einen tollen Verlauf. Dieser heutige Abend „Odissi und Cello“ ist sicherlich ein bemerkenswerter Event unter diesem Aspekt „Begegnung westlicher Kultur“. Wir haben hier Bach auch zu hören bekommen und eben auch der klassischen Form des indischen Tanzes Odissi. Vielen Dank für das Gespräch.
